Jacques Loussier – Play Bach Nº 3: Cuando Johann Sebastian Bach se vistió de Swing

(El maravilloso mundo del vinilo)

FICHA TÉCNICA:
 
Artista: Jacques Loussier (Al piano, acompañado por Pierre Michelot al contrabajo y Christian Garros a la batería)
 
Título: Play Bach Nº 3
 
Sello y Nº: Decca / Columbia - SKL 40507
 
Año de esta edición: 1964 (Lanzamiento original: 1961)
 
Detalles: LP. 3 extensas suites instrumentales donde las partituras barrocas cobran una nueva vida.
 
El comentario de la aguja: El puente perfecto entre dos mundos
 
A principios de los años 60, un joven pianista francés llamado Jacques Loussier revolucionó los cimientos de la música con una audaz e insólita propuesta: ¿Y si el mayor compositor del Barroco, Johann Sebastian Bach, hubiera sido en realidad el primer músico de jazz de la historia? Lejos de ser una provocación, Loussier demostró con su trío que la música de Bach, con sus estructuras matemáticas perfectas y sus líneas de bajo caminantes (walking bass), compartía de manera natural el mismo ADN que el jazz moderno.
 
Así nació la mítica serie de álbumes Play Bach, editada en España por sellos de la talla de Decca y Columbia. En este Play Bach Nº 3, grabado originalmente a principios de la década, la fórmula alcanza una madurez interpretativa sublime.
 
El disco consta de tres extensas composiciones donde Loussier toma los temas originales de Bach y, sin perder un ápice de su solemnidad y belleza original, los hace estallar en un delicioso torbellino de síncopas. El gran protagonista aquí es el piano de Loussier, que despliega un fraseo límpido, ágil y luminoso, perfectamente escoltado por el contrabajo de Pierre Michelot y las sutiles escobillas en la batería de Christian Garros. Es un disco que funciona como un bálsamo de elegancia absoluta: música culta despojada de rigidez, hecha para paladear con una copa en la mano a la caída de la tarde.
 
Mi experiencia de surco
 
Para cerrar por todo lo alto este primer bloque de discos instrumentales de mi colección, os traigo una de mis mayores debilidades. La música eterna de Bach es transformada aquí de forma magistral en puro jazz.
 
En este volumen número 3, el piano es el protagonista absoluto de la velada, guiándonos a través de unas variaciones asombrosas que demuestran que la buena música no entiende de etiquetas ni de siglos de distancia. Una auténtica maravilla para los oídos que nunca me canso de escuchar.
 
Poseer este vinilo de 1964 es tener la prueba física de un milagro acústico: el momento en que el siglo XVIII alemán y el siglo XX parisino se dieron la mano sobre el teclado de un piano de cola. Una obra maestra atemporal que os preparará para el siguiente paso de este viaje... donde el órgano entrará en juego.
 

Biblioteca Fisac
https://bibliotecafisac.blogspot.com/

Herbie Mann – Memphis Underground: El día que la flauta conquistó el Jazz

(El maravilloso mundo del vinilo)

FICHA TÉCNICA:
 
Artista: Herbie Mann
 
Título: Memphis Underground
 
Sello y Nº: Atlantic / Hispavox - HATS 421-36
 
Año de esta edición: 1969
 
Detalles: LP. 5 extensas composiciones. Edición de lujo con carpeta abierta conteniendo un amplio comentario crítico y biográfico sobre el intérprete.
 
El comentario de la aguja: Cuando el jazz se tiñó de Soul y Rock
 
A finales de la década de los 60, el jazz se encontraba en una encrucijada. Muchos músicos buscaban nuevas fórmulas para conectar con la juventud y romper las barreras de los géneros tradicionales. En 1969, el flautista neoyorquino Herbie Mann viajó a los míticos estudios American Sound de Memphis con una idea revolucionaria: fusionar el lenguaje del jazz con el pulso caliente del soul, el rhythm & blues y el rock. El resultado fue Memphis Underground, un éxito masivo que dinamitó las listas de ventas.
 
Aunque hoy nos parezca de lo más natural, en aquella época la propuesta de Herbie Mann rompía moldes. Parecía mentira que un instrumento de viento tan sutil y tradicionalmente clásico como la flauta travesera pudiera integrarse con semejante naturalidad en la síncopa del jazz, disputándole el protagonismo a los saxofones o las trompetas.
 
Mann lo consiguió dotando a su flauta de un sonido percusivo, salvaje y profundamente rítmico. Para redondear la jugada, se rodeó de una banda descomunal que incluía nada menos que a tres guitarristas (entre ellos el virtuoso Sonny Sharrock) y a la legendaria sección rítmica de Memphis. La soberbia edición que lanzó Hispavox en España bajo el prestigioso sello Atlantic hacía justicia a este hito, ofreciendo un generoso texto explicativo en su carpeta que servía de guía para entender la magnitud de lo que se estaba escuchando.
 
Mi experiencia de surco
 
Nos encontramos ante un magnífico ejemplo de jazz donde la flauta y la batería asumen un protagonismo absoluto, dialogando de tú a tú en un derroche de talento.
 
Para mí, el momento cumbre del álbum se encuentra en la interpretación de «Battle Hymn of the Republic» (El himno de batalla de la República). Es sencillamente magistral cómo se desenvuelve la pieza: tras un hipnótico y prolongado solo de flauta que te mantiene en vilo, la entrada de la batería al comienzo del tema es un golpe de efecto genial, electrizante y lleno de fuerza, de esos que te hacen vibrar en el asiento y justifican por sí solos toda una colección de vinilos.
 
Memphis Underground sigue sonando hoy tan fresco, sudoroso y vanguardista como el día en que se grabó en 1969. Es la demostración empírica de que en el jazz no hay límites instrumentales cuando hay un genio soplando a través de los surcos.
 

Biblioteca Fisac
https://bibliotecafisac.blogspot.com/

Reunion Jazz Band – Reunion Jazz Band: La puerta de entrada al Dixieland europeo

(El maravilloso mundo del vinilo)

FICHA TÉCNICA:
 
Artista: Varios artistas (Componentes de la Dutch Swing College Band)
 
Título: Reunion Jazz Band
 
Sello y Nº: Orlador / Círculo de Lectores - 30.152 (Bajo licencia de Philips)
 
Año de esta edición: 1967
 
Detalles: LP. 8 piezas maestras del jazz tradicional. Edición especial en exclusiva para los socios del Círculo de Lectores.
 
El comentario de la aguja: Cuando el Círculo de Lectores trajo Nueva Orleans al salón de casa
 
Para muchos hogares españoles de los años 60, el jazz era un género lejano, casi mitológico, que se asociaba a oscuros clubes americanos o a composiciones abstractas difíciles de digerir a la primera. Por eso, cuando en 1967 el Círculo de Lectores incluyó en su catálogo mensual este vinilo del sello Orlador, hizo un regalo cultural incalculable: democratizó el jazz haciéndolo accesible, radiante y sumamente divertido.
 
Bajo el nombre de Reunion Jazz Band, el disco encierra un auténtico secreto a voces de la música europea. Los intérpretes que se citan en los créditos (Joop Schrier al piano, Wybe Buma a la trompeta, Jan Morks al clarinete, entre otros virtuosos) eran la plana mayor y los miembros fundadores de la Dutch Swing College Band, la formación de jazz tradicional más laureada de los Países Bajos. Se trataba de una reunión cumbre para revivir el viejo espíritu del Dixieland y del sonido fundacional de Nueva Orleans.
 
El álbum es un derroche de vitalidad instrumentista. Frente al jazz moderno y complejo, aquí nos encontramos con la pureza del ritmo sincopado: diálogos vibrantes entre el trombón y la trompeta, solos de clarinete que parecen flotar y una sección rítmica impecable apuntalada por la tuba y el contrabajo. No es música académica para escuchar con gesto serio; es el jazz de las raíces, el que nació para celebrar la vida, desborda optimismo y se mete en el cuerpo desde el primer compás.
 
Mi experiencia de surco
 
Este vinilo, otra de las recordadas ediciones especiales del Círculo de Lectores, ocupa un lugar sentimental muy destacado en mi estantería. Fue el disco que ayudó a muchos —como es mi propio caso— a introducir por primera vez en casa la magia de la música de jazz.
 
Supone una maravillosa y certera mirada al mundo del jazz, una invitación a descubrir sus matices a través de una interpretación tan limpia y contagiosa que era imposible no quedar prendado de su ritmo.
 
Colocar la aguja sobre este vinilo de 1967 es revivir el instante preciso en que el salón de casa se transformó, por obra y gracia del tocadiscos, en un club de jazz clásico de los años veinte. Una pieza didáctica y emocionante que sigue conservando intacto su poder de fascinación.
 

Biblioteca Fisac
https://bibliotecafisac.blogspot.com/

Los Indios Tabajaras – The very thought of you: Guitarras de seda para el hogar

(El maravilloso mundo del vinilo)

FICHA TÉCNICA:
 
Artista: Los Indios Tabajaras (Antenor y Natalicio Lima)
 
Título: The very thought of you (La sola idea de ti)
 
Sello y Nº: Círculo de Lectores - 54.031 (Bajo licencia de RCA)
 
Año de esta edición: 1974
 
Detalles: LP. 11 composiciones instrumentales de grandes clásicos universales interpretados a dos guitarras españolas.
 
El comentario de la aguja: Del Amazonas a las estanterías de Círculo de Lectores
 
La historia de Los Indios Tabajaras parece sacada de una novela de aventuras. Dos hermanos de la tribu indígena de los Tabajaras, en el norte de Brasil, encuentran por azar una guitarra española abandonada en la selva. Aprenden a tocarla de forma totalmente autodidacta y, años más tarde, terminan convertidos en un fenómeno internacional, vistiendo sus trajes tradicionales sobre los escenarios de Nueva York, Londres o Madrid y tocando piezas clásicas de Chopin o Bach con una limpieza de ejecución que ya hubiera querido más de un concertista de conservatorio.
 
Aunque en la España de 1974 se les pudiera considerar un grupo más "de catálogo" o de acompañamiento que una banda de primera línea juvenil, su popularidad en nuestro país fue gigantesca gracias a una vía de distribución entrañable: el Círculo de Lectores. Esta edición especial, pensada en exclusiva para los socios del club, permitía a las familias hacerse con una obra de alta fidelidad que garantizaba calidad musical y elegancia sin tener que pisar una tienda de discos.
 
El álbum toma su nombre del bellísimo estándar de jazz de Ray Noble, The very thought of you, y es una exhibición de delicadeza. El secreto de los hermanos Lima radicaba en su compenetración absoluta: mientras una guitarra tejía un colchón de acordes suaves, la otra desgranaba la melodía con un punteo cristalino, tierno y aterciopelado. No había estridencias, no había prisa; solo el sonido puro de la madera y las cuerdas de nailon acariciando el aire.
 
Mi experiencia de surco
 
Aunque pueda verse como un disco de fondo o de "relleno" frente a los grandes éxitos rompedores de las listas, este vinilo alcanzó una enorme y merecida popularidad en España. Es el ejemplo perfecto y supremo de lo que debe ser la gran música de acompañamiento.
 
Sus surcos guardan una música ideal para disfrutar en veladas tranquilas, dejando que las magistrales guitarras de Los Indios Tabajaras interpreten grandes éxitos de siempre mientras el salón se inunda de una calma reconfortante.
 
Poner este LP del Círculo de Lectores de 1974 en el plato es invocar al instante la paz del hogar de los años setenta. Un vinilo sin pretensiones revolucionarias, pero con una factura técnica e interpretativa tan perfecta que sigue siendo un bálsamo infalible para desconectar del ruido del mundo moderno.
 

Biblioteca Fisac
https://bibliotecafisac.blogspot.com/

Il guardiano del Faro – Amore grande, amore libero: El Moog que enamoró a los guateques

(El maravilloso mundo del vinilo)

FICHA TÉCNICA:  

Artista: Il guardiano del Faro (Federico Monti Arduini) 

Título: Amore grande, amore libero (Amor grande, amor libre)

Sello y Nº: RCA Victor - SPBO 9282

Año de esta edición: 1975

Detalles: Single (7 pulgadas / 45 RPM). 2 composiciones instrumentales. 
 
El comentario de la aguja: El farero de la melancolía italiana
 
Si en 1976 Carlos Santana hacía gritar a su guitarra, un año antes, en el verano de 1975, las listas de éxitos europeas se derretían ante una propuesta instrumental radicalmente opuesta. Desde Italia, un enigmático proyecto musical firmado bajo el pseudónimo de Il guardiano del Faro asaltaba las emisoras de radio y las pistas de baile con una composición que era pura poesía flotante: Amore grande, amore libero. 
 
Detrás del proyecto no había ningún ermitaño marino, sino Federico Monti Arduini, un talentoso teclista y productor milanés que tuvo una visión brillante: utilizar los entonces novedosos y fríos sintetizadores Moog para insuflarles el alma, la calidez y el lirismo de la gran balada romántica italiana. El experimento no pudo salir mejor. El tema era tan sumamente pegadizo, sugerente y evocador que se alzó con el primer premio del célebre festival televisivo «Un disco per l'estate» (rotulado en España con un poético «Una canzone per l'estate» directamente en la portada) y escaló de inmediato hasta el número uno de las listas italianas. 
 
La canción arranca con unos acordes suspendidos que recrean una atmósfera de ensueño, un amanecer frente al mar, para luego dar paso a la melodía principal del sintetizador, arropada por una sección de cuerda suntuosa que estalla en un estribillo irresistible. RCA Victor lanzó el single en España con gran éxito, sabiendo que el público de nuestro país compartía esa misma sensibilidad mediterránea y apasionada. 
 
Mi experiencia de surco
 
Tras la descarga de energía de Santana, este single nos sumerge de lleno en una deliciosa melancolía romántica. Este disco tuvo un éxito tremendo en la España de mediados de los setenta y, desde luego, estoy seguro de que lo agradecieron infinitamente muchas parejas de enamorados de aquella época.
 
Es el ejemplo perfecto de lo que debe ser la música romántica bailable: una pieza elegante, envolvente, con un tempo pausado que invitaba a bailar agarrados en la penumbra del guateque, dejándose llevar por la cadencia de las notas y la magia del momento.
 
Poseer este single original de 1975, con su mítica portada y las letras impresas recordando sus galardones en Italia, es atesorar un pedazo de la banda sonora sentimental de una generación. Un vinilo imprescindible que demuestra que la electrónica, cuando se pone en manos de un romántico, también puede acariciar el corazón. 
 

Biblioteca Fisac
https://bibliotecafisac.blogspot.com/

Santana – Europa: Siete pulgadas de pura emoción eléctrica

(El maravilloso mundo del vinilo)

FICHA TÉCNICA:
 
Artista: Santana (Carlos Santana)
 
Título: Europa (Earth's Cry Heaven's Smile) / Cara B: Amigos
 
Sello y Nº: CBS - 4.143
 
Año de esta edición: 1976
 
Detalles: Single (7 pulgadas / 45 RPM). 2 composiciones instrumentales extraídas de su aclamado álbum Amigos.
 
El comentario de la aguja: Cuando la guitarra aprendió a llorar
 
Si hay un músico en el planeta capaz de ser reconocido con solo escuchar una sola nota, ese es Carlos Santana. Su sonido —una mezcla perfecta de raíces latinas, calidez bluesera y misticismo— alcanzó el estatus de leyenda en 1976 con el lanzamiento de su álbum Amigos, cuyo buque insignia fue esta desgarradora pieza instrumental titulada Europa.
 
La canción es un viaje de una intensidad emocional apabullante. Comienza con una melodía lenta, pausada y melancólica, donde la Gibson de Santana parece acariciar el aire, emulando el llanto de un alma herida. Sin embargo, a mitad del trayecto, el tempo cambia, la sección rítmica latina despierta y la guitarra estalla en un torbellino de acordes sostenidos, distorsión controlada y un ritmo frenético que te atrapa por completo.
 
Lanzar este tema en formato single fue un acierto descomunal de CBS. Permitió que millones de jóvenes que no podían permitirse el LP completo tuvieran acceso inmediato a la canción que estaba rompiendo las listas de éxitos de medio mundo. Se convirtió en la banda sonora de las noches de 1976 y en un clásico instantáneo que, décadas después, sigue poniéndose como ejemplo de lo que significa "tener alma" al tocar un instrumento.
 
Mi experiencia de surco
 
Tras repasar álbumes completos y dinámicos EP, llegamos a este formato single que guarda uno de los mayores tesoros de mi estantería. La canción Europa causó un auténtico furor en su época y se convirtió en una pieza totalmente indispensable en mi colección.
 
Es uno de esos vinilos pequeños en tamaño, pero gigantescos en contenido, que siempre me gusta "tener a mano" para poner a girar en el plato en esos momentos en los que necesitas evadirte y dejarte llevar por la magia de esa maravillosa e inmortal guitarra eléctrica.
 
Poseer este single original de 1976, con su icónica portada y el color naranja característico de las galletas de CBS de la época, es atesorar tres minutos y medio de pura historia del rock. Una aguja, 45 revoluciones por minuto y la genialidad de Santana en su máximo esplendor.
 

Biblioteca Fisac
https://bibliotecafisac.blogspot.com/

Taranto's – Opus Pi (3,1416): El "Supergrupo" secreto del pop español

(El maravilloso mundo del vinilo)

FICHA TÉCNICA:  

Artista: Taranto's (Grupo instrumental ocasional) 

Título: Opus Pi (3,1416)

Sello y Nº: Guitarra / Movieplay - S. 26.029 

Año de esta edición: 1969

Detalles: LP. 11 canciones instrumentales. Carpeta abierta (gatefold). 
 
El comentario de la aguja: Rompiendo enigmas en los Estudios Celada
 
Cualquier coleccionista que tropiece por primera vez con la portada de este vinilo de 1969 sufrirá un cortocircuito mental. En la maquetación se amontonan los nombres: Movieplay, Guitarra, Taranto's, Opus Pi... ¿Quién es quién? Detrás de este laberinto de marcas se esconde una de las historias más fascinantes de nuestra música: un experimento de "espionaje" musical.
 
A finales de los 60, los contratos discográficos eran draconianos y ataban de pies y manos a los mejores músicos del país. Deseosos de libertad creativa, varios de los mejores instrumentistas de las bandas más grandes de España decidieron unirse en el más absoluto de los secretos en los Estudios Celada de Madrid.
 
Hablamos de una alineación de galácticos: Alfonso y Lucas Sáinz (de Los Pekenikes), Luis Baizán e Ignacio Sequeros (de Los Relámpagos) y Joaquín Torres (de Los Pasos). ¡El "Dream Team" secreto de la música de los sesenta! Y como no podían firmar con sus nombres reales, adoptaron el alias de Taranto's y grabaron por puro placer un disco conceptual titulado Opus Pi (3,1416). El disco se editó bajo el recién nacido sello Guitarra y fue distribuido por la pujante Movieplay. 
 
Musicalmente, el álbum es una obra de ingeniería superlativa. Estos virtuosos cogieron la base instrumental que dominaban y le inyectaron un inconfundible acento español, mezclando guitarras eléctricas, metales y teclados con rumbas, giros flamencos y atmósferas psicodélicas avanzadísimas. La crítica actual considera este vinilo, de hecho, como uno de los eslabones perdidos que anticipó el nacimiento del rock andaluz. Tuvo una acogida muy discreta en su día, lo que convirtió las copias supervivientes en auténticos unicornios de tasación. 
 
Mi experiencia de surco
 
Sentía —y siento— una debilidad confesa por esta rareza absoluta. Aquellos genios en la sombra se unieron en un experimento único para crear once temas instrumentales maravillosos, explorando nuevos límites sonoros con ese inconfundible sabor de nuestra tierra.
 
Es un álbum que juega constantemente con los efectos estereofónicos de una manera asombrosa, convirtiendo la audición en una experiencia tridimensional. Un disco que es, por derecho propio, una joya de coleccionista digna de lucir con orgullo en las mejores estanterías musicales del mundo.
 
Poseer este ejemplar original de 1969, con el diseño de portada original concebido por Tony Luz (guitarrista de Los Pekenikes), es custodiar un trozo clandestino e irrepetible de la vanguardia pop española. Un surco mágico que demuestra que, cuando el talento se libera de las cadenas de las multinacionales, ocurre el milagro. 
 

Biblioteca Fisac
https://bibliotecafisac.blogspot.com/

Richard Clayderman – 16 grandes temas de siempre: El piano que acariciaba el salón

(El maravilloso mundo del vinilo)

FICHA TÉCNICA:
 
Artista: Richard Clayderman
 
Título: 16 grandes temas de siempre
 
Sello y Nº: Hispavox / Delphine - S 60.218
 
Año de esta edición: 1979
 
Detalles: LP. 16 melodías universales interpretadas al piano con sutiles arreglos de cuerda.
 
El comentario de la aguja: La banda sonora de la calma interior
 
A finales de la década de los 70, la música de baile estaba sufriendo una mutación frenética hacia las discotecas y los ritmos sintéticos. Como contrapartida a todo ese ruido y luz de neón, surgió una corriente que buscaba el refugio de la calma, la melancolía y el romance. El abanderado indiscutible de este movimiento en Europa fue el pianista francés Richard Clayderman (cuyo nombre real es Philippe Pagès).
 
Editado con gran acierto en España por Hispavox en 1979, este álbum recopilatorio es un catálogo perfecto de su fórmula ganadora: coger melodías inmortales que todo el mundo guardaba en su memoria sentimental, desnudarlas de artificios y volverlas a tejer con la delicadeza de sus manos sobre las teclas negras y blancas, arropado por una finísima orquestación de cuerdas.
 
Es cierto que, tal y como llegó de puntillas y conquistó las listas de ventas de nuestro país con una suavidad pasmosa, el fenómeno Clayderman pareció diluirse pocos años después en el panorama musical español. Sin embargo, su impacto sociológico dejó huella: logró que el piano de cola dejara de percibirse como un instrumento elitista o aburrido para convertirse en un elemento cotidiano, cálido y profundamente reconfortante. Es el ejemplo supremo de la música ambiental bien entendida.
 
Mi experiencia de surco
 
Tras el ritmo frenético de los discos anteriores, este vinilo representa un oasis de sosiego. Contiene una magnífica selección de grandes éxitos de la música romántica al piano, lo que lo convierte en el disco ideal para servir como acompañamiento relajante en veladas tranquilas.
 
Es esa maravillosa "música para acompañarnos" mientras disfrutas de una buena lectura, mantienes una conversación pausada o, simplemente, contemplas cómo gira el plato a media luz al final del día.
 
Este LP de 1979 conserva intacto ese poder balsámico. Colocar la aguja sobre sus surcos es una invitación automática a bajar las revoluciones del día a día, a respirar hondo y a dejarse mecer por la elegancia de un piano que supo ganarse el corazón de toda una generación.
 

Biblioteca Fisac
https://bibliotecafisac.blogspot.com/

The Sputnicks – Sputnicks: El torbellino espacial que reventaba los guateques

(El maravilloso mundo del vinilo)

FICHA TÉCNICA:
 
Artista: The Sputnicks (The Spotnicks)
 
Título: Sputnicks
 
Sello y Nº: Record Dim (Bajo licencia de Discos President) - DGS 145
 
Año de esta edición: 1968
 
Detalles: LP. 12 composiciones instrumentales de puro Space Rock primitivo.
 
El comentario de la aguja: Guitarras eléctricas directas desde la estratosfera
 
A finales de los años 60, el panorama de los conjuntos instrumentales de guitarra estaba dominado por la sobriedad británica de The Shadows. Sin embargo, desde los fríos parajes de Suecia, llegó un cuarteto que decidió tomar una ruta completamente diferente y decididamente más alocada: The Sputnicks. Con un nombre inspirado en el célebre satélite soviético, esta banda combinaba una técnica instrumental impecable con un sentido del espectáculo desbordante. De hecho, ¡en muchos de sus conciertos aparecían en el escenario embutidos en aparatosos trajes espaciales!
 
Este álbum homónimo editado en España por el sello Record Dim en 1968 es una auténtica fiesta de principio a fin. El grupo dominaba como nadie el uso del reverb y las frecuencias cortas, logrando que sus guitarras sonaran metálicas, rápidas y futuristas.
 
Pero lo que hacía verdaderamente únicos a The Sputnicks era su desparpajo para coger canciones tradicionales del folclore europeo —desde temas marineros hasta danzas folclóricas— y meterles un acelerón a base de transistores, baterías frenéticas y guitarras eléctricas electrizantes. El resultado era una música desacomplejada, gamberra y con un sentido del humor que se contagiaba a la primera escucha.
 
Mi experiencia de surco
 
Aunque este sensacional conjunto instrumental sueco nunca alcanzase los niveles de fama planetaria de The Shadows, fue el encargado de animar y salvar muchísimos guateques de aquella época. Siento una debilidad confesa por este LP, en especial por su mítica e impagable «Happy Henrics Polka».
 
En aquellos años no había absolutamente nada mejor que esa pieza para levantar el ánimo de la fiesta: era ponerla en el tocadiscos y, de inmediato, todo el mundo se levantaba a bailar, a saltar y a reír a carcajadas, como si estuviéramos dentro de una comedia cinematográfica de la época.
 
Este vinilo de 1968 es el testimonio vivo de una era donde la música pop no se tomaba tan en serio a sí misma y cuyo único y noble objetivo era hacérnoslo pasar en grande. Una joya imprescindible para entender la cara más gamberra y bailable de los guateques sesenteros.
 

Biblioteca Fisac
https://bibliotecafisac.blogspot.com/

Ray Conniff – ¡Fabuloso...!: El rey de la pista en los guateques sesenteros

(El maravilloso mundo del vinilo)

FICHA TÉCNICA:
 
Artista: Ray Conniff, su Orquesta y Coros
 
Título: ¡Fabuloso...!
 
Sello y Nº: CBS - 5810 (AGS 20.022)
 
Año de esta edición: 1962
 
Detalles: EP (Extended Play). 4 canciones que funden orquesta y coros en un torbellino bailable.
 
El comentario de la aguja: La fórmula mágica del ritmo contagioso
 
Quizá para los puristas del jazz o de la música de vanguardia este disco no sea una "pieza de museo", pero para cualquiera que haya vivido la efervescencia de los años 60, este plástico es sinónimo de diversión, juventud y domingos por la tarde. Ray Conniff fue un auténtico rey Midas de la música ligera, y este EP editado por CBS en 1962 es el ejemplo perfecto de por qué conquistó el mundo.
 
La genialidad de Conniff no radicaba en la complejidad, sino en una fórmula arreglística tan original como efectiva: hacía que sus coros (masculinos y femeninos) no cantaran letras, sino que tararearan las melodías imitando el sonido de los instrumentos. Las voces de las mujeres se fundían con las trompetas y las flautas, mientras que las de los hombres doblaban a los trombones y los saxofones.
 
El resultado era un sonido nítido, alegre, con un swing arrollador y una sección rítmica que te obligaba a mover los pies de manera casi involuntaria. Este EP en concreto era un valor seguro: cuatro canciones directas al grano, ideales para pinchar en el tocadiscos portátil en cuanto el guateque empezaba a decaer. Con Ray Conniff en el plato, el éxito de la fiesta estaba completamente garantizado.
 
Mi experiencia de surco
 
Tal vez no estemos ante una rareza de coleccionista custodiada  en sótanos oscuros, pero este EP es el ejemplo supremo de la música instrumental bailable de una época irrepetible. Un disco tremendamente "marchoso" que hizo las delicias de nuestros guateques, recordándonos que la música, antes que nada, nació para ser disfrutada, compartida y bailada en buena compañía.
 
Tener este disco de 1962, con su mítica portada de la era dorada de CBS, es conservar el billete de entrada a aquellas tardes de risas, refrescos y bailes agarraos en el salón de casa. ¡Pura nostalgia en alta fidelidad!
 

Biblioteca Fisac
https://bibliotecafisac.blogspot.com/

Los Relámpagos – Páginas musicales de la historia de España: El pop que se convirtió en cine

(El maravilloso mundo del vinilo)

FICHA TÉCNICA:
 
Artista: Los Relámpagos
 
Título: Páginas musicales de la historia de España
 
Sello y Nº: RCA Victor - LSP 10397 N
 
Año de esta edición: 1969
 
Detalles: LP. 7 composiciones instrumentales. Edición lujosa con carpeta abierta e inserto desplegable con detallados textos explicativos e ilustraciones históricas.
 
El comentario de la aguja: Una máquina del tiempo a seis cuerdas
 
Hablar de Los Relámpagos es hablar de unos genios absolutos capitaneados por los hermanos Herrero (Pablo y José Antonio) y la inconfundible guitarra de Luis Baizán. En una época en la que los conjuntos musicales españoles se limitaban a imitar los patrones que venían de fuera, ellos miraron hacia dentro, hacia nuestras raíces, para revolucionarlo todo. Y su cima creativa la alcanzaron en 1969 con este soberbio álbum conceptual.
 
Páginas musicales de la historia de España no es un disco de canciones al uso; es una superproducción cinematográfica sin imágenes. A través de siete extensas y complejas suites instrumentales, el grupo nos invita a viajar en el tiempo: desde la invasión romana hasta el descubrimiento de América, pasando por la España árabe en Al-Andalus o las intrigas de El Escorial.
 
Para lograrlo, Los Relámpagos fusionaron de forma magistral las guitarras eléctricas con el órgano Hammond, los sintetizadores primitivos y una percusión hercúlea. Pero el verdadero golpe de genio fue el uso del estéreo. Diseñaron el disco mezclando el sonido de tal manera que cada instrumento y cada efecto de sonido se desplazaba por el espacio. El oyente de 1969 no solo escuchaba música: se convertía en el espectador invisible de los acontecimientos que habían forjado un país. La edición de RCA, además, era una delicia didáctica gracias a su desplegable interior, que convertía la escucha en una experiencia casi literaria.
 
Mi experiencia de surco
 
Estamos ante una auténtica obra maestra de lo que bien podríamos definir como "música descriptivo-visual". El grupo posee la asombrosa capacidad de narrar una historia con sus instrumentos, logrando que veamos en nuestra imaginación los acontecimientos históricos con una nitidez pasmosa.
 
En el corte S.P.Q.R., por ejemplo, uno asiste asombrado a cómo una legión de soldados romanos se acerca marchando desde el bafle izquierdo, llega majestuosamente hasta el centro del salón —justo donde estamos sentados— y después se aleja perdiéndose por el canal derecho. Un efecto panorámico sorprendente y adelantado a su tiempo que convierte a este vinilo en el rey de mi estantería.
 
Pocas veces la técnica y el talento musical se han aliado de una forma tan perfecta en el pop español. Si tenéis este disco, apagad las luces, encended el amplificador y dejad que la historia avance por vuestro salón.
 

Biblioteca Fisac
https://bibliotecafisac.blogspot.com/ 

Bud Ashton – Sonido nueva ola: El futuro tenía cuatro canciones

(El maravilloso mundo del vinilo)

FICHA TÉCNICA:
 
Artista: Bud Ashton
 
Título: Sonido nueva ola
 
Sello y Nº: Vergara - 35.6.018 C
 
Año de esta edición: 1963
 
Detalles: EP (Extended Play). 4 canciones instrumentales con un sonido futurista para la época.
 
El comentario de la aguja: Cuando la guitarra eléctrica sonaba a ciencia ficción
 
Corría el año 1963 y en España la juventud andaba ávida de ritmos nuevos. El pop moderno empezaba a asomar la cabeza, pero la censura y la falta de distribución hacían que los discos de las grandes bandas anglosajonas llegaran a cuentagotas o a precios prohibitivos. En ese contexto, los EP de cuatro canciones se convirtieron en el formato rey, y sellos nacionales como Vergara hicieron el agosto licenciando material internacional de lo más jugoso.
 
Bajo el estimulante título de Sonido nueva ola, este EP nos presenta a Bud Ashton, un alias artístico tras el que se ocultaba el guitarrista británico Bob Leaper. Ashton se especializó en traducir a las seis cuerdas los éxitos vocales de la época, dotándolos de una personalidad instrumental única.
 
En este plástico, la gran protagonista es la guitarra eléctrica cargada de reverb y twang, inspirada claramente en el sonido transgresor de bandas como The Shadows o The Ventures. Escuchar hoy estas cuatro pistas instrumentales es hacer un viaje en el tiempo a una época en la que la distorsión sutil, el trémolo y el eco no eran simples efectos de estudio: eran la banda sonora de la modernidad, un pasaporte a la vanguardia sonora que rompía con la música orquestal, acartonada y folclórica que todavía dominaba las radios españolas.
 
Mi experiencia de surco
 
Este es un disco genuinamente vanguardista que llenó muchas de nuestras veladas juveniles, sorprendiéndonos con un sonido absolutamente rompedor respecto a todo lo que se había escuchado antes. Era la banda sonora de los guateques que querían mirar al futuro; un vinilo pequeño en tamaño, pero enorme en el impacto que causaba en el salón de casa cuando la aguja tocaba sus surcos.
 
Tener esta copia de Vergara de 1963 en las manos, con su portada original de estética sesentera, es poseer un pedazo vivo de la historia de la alta fidelidad en nuestro país. Un sonido que, lejos de envejecer, hoy conserva todo el encanto del retro-futurismo.
 

Biblioteca Fisac
https://bibliotecafisac.blogspot.com/