Hoy en "El eco de Fisac" puedes leer...
(El maravilloso
mundo del vinilo)
FICHA TÉCNICA:
Artista:
Marie Laforêt
Título:
Marie Laforêt canta en español
Sello
y Nº: Vergara / Festival / Iberofón - 10.044 - C
Año
de esta edición: 1968
Detalles:
EP (Extended Play) a 45 RPM. 4 canciones. Edición especial para el mercado
español con prensado Iberofón.
El comentario de
la aguja: El encanto de la fonética francesa
A
finales de la década de los sesenta, el sello Vergara apostó sobre seguro al
acercar los grandes éxitos de la chanson
francesa al público español a través de su serie Festival. La referencia 10.044
- C es un testimonio bellísimo de esa época, donde la ingeniería de Iberofón
nos regala un sonido analógico limpio, cálido y muy equilibrado. La producción
sitúa la voz de Marie Laforêt en un plano muy cercano y sutil, arropada por una
orquestación de corte clásico, rica en detalles melódicos, que se despliega de
fondo con una elegancia apabullante.
Este
disco nos permite apreciar la magnífica modulación de la artista, cuyo
personalísimo acento francés dota a las letras en castellano de un magnetismo y
una fragilidad conmovedoras. No eran meras traducciones comerciales; eran
interpretaciones hechas con el alma. La aguja se desliza por unas pistas que
capturan la transición hacia un pop melódico más maduro, donde los arreglos
instrumentales envolvían cada estrofa para crear una atmósfera íntima y
sumamente evocadora.
Mi experiencia
de surco
Arrancamos
una pequeña trilogía dedicada a una de las artistas más cautivadoras de mi
colección: la gran Marie Laforêt. Su voz y su personalísima forma de cantar me
enamoraron desde el primer momento, demostrando que poseía un talento que iba
mucho más allá de la insistente publicidad de la época, que se empeñaba en
destacar casi exclusivamente la belleza de sus ojos ¡como si no supiera cantar!
Siempre
destacaban sus preciosos ojos en las portadas y reportajes, pero es evidente
que sólo con una mirada bonita no se alcanzaba el éxito duradero en la música
popular; ella lo logró con mayúsculas gracias a discos y canciones tan
maravillosas como las cuatro que componen este EP. Aunque es cierto que, a día
de hoy, estas composiciones puedan sonar a antiguas en su estructura, nunca
está de más dejarlas girar en el plato de vez en cuando. Es el ejercicio
perfecto para retrotraernos con nostalgia y nitidez a aquella irrepetible época
de nuestra juventud.
Es
la prueba irrefutable de que la verdadera clase nunca pasa de moda y de una
intérprete que supo conquistar nuestros tocadiscos gracias a la calidez y el
sentimiento de su garganta.
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(El maravilloso
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FICHA TÉCNICA:
Artista:
Carlos Mejía Godoy y Los de Palacagüina
Título:
El son nuestro de cada día
Sello
y Nº: CBS - S 82101
Año
de esta edición: 1977
Detalles:
LP de larga duración. Edición en carpeta desplegable (gatefold) con las letras
de las 10 canciones incluidas.
El comentario de
la aguja: El costumbrismo rítmico en el ecuador de la Transición
En
1977, el panorama musical español estaba ávido de sonidos que respiraran
libertad, cambio y un punto de irreverencia popular. La delegación española de
CBS vio un filón en el reverso más festivo y folclórico de la canción de autor
latinoamericana y editó la referencia S 82101. Carlos Mejía Godoy, acompañado
por Los de Palacagüina, desplegó en este larga duración un compendio de
"son nica" caracterizado por el uso de acordeones, guitarras rasgadas
y una percusión ligera y vivaz que servía de vehículo para unas letras repletas
de modismos locales, humor y crónicas de la vida sencilla y combativa.
Desde
la perspectiva técnica del microsurco, el prensado de CBS de finales de los
setenta ofrece una escucha limpia y muy directa. El protagonismo absoluto lo
tienen las voces y los instrumentos acústicos, que disfrutan de una separación
estéreo muy marcada. Es un sonido brillante y plano, diseñado expresamente para
que el oyente no pierda detalle de la narrativa de cada tema. La inclusión de
la carpeta desplegable con las letras impresas fue un acierto de primer orden
para que el público español pudiera descifrar y asimilar el rico vocabulario de
las composiciones, convirtiendo el disco en un objeto de indudable valor
testimonial.
Mi experiencia
de surco
Nos
encontramos ante un disco que disfrutó de un notable éxito en su momento, pero
que, a diferencia de esos grandes hitos musicales que escuchas una y otra vez
sin cansarte jamás, adolece de un desgaste rápido. Estamos ante una música
concebida para unos tiempos muy concretos de cambio y reivindicación en nuestro
país.
Lo
malo de este tipo de propuestas es que, cuando ya lo has oído un par de veces,
sus canciones pierden la gracia inicial y el factor sorpresa de sus letras se
diluye; por lo tanto, no se puede catalogar como uno de esos discos que pones
en el plato de forma recurrente porque nunca te cansas de escucharlo. Con todo,
como muestra sociológica y testimonio histórico para dar riqueza y variedad a
una colección de vinilos, está muy bien tenerlo.
Nos
ofrece, en definitiva, un viaje arqueológico a la banda sonora de la España de
la Transición. Un vinilo singular que nos recuerda cómo el microsurco no solo
ha guardado grandes composiciones musicales sino también los documentos sonoros
de los vientos de cambio que soplaron durante nuestra juventud.
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mundo del vinilo)
FICHA TÉCNICA:
Artista:
Armando Manzanero
Título:
Armando Manzanero y sus canciones
Sello
y Nº: RCA Victor - LPM 10370
Año
de esta edición: 1968
Detalles:
LP de larga duración. 14 canciones. Edición original de catálogo.
El comentario de
la aguja: El terciopelo de las cuerdas al servicio del bolero
A
finales de la década de los sesenta, Armando Manzanero revolucionó por completo
la canción romántica iberoamericana, devolviendo al bolero a su edad de oro
gracias a unas letras repletas de una poesía cotidiana y una finura armónica
desgarradora. Para este lanzamiento de 1968, RCA Victor desplegó todo su
potencial técnico en unos estudios que rezumaban calidez. Frente a la desnudez
de otras propuestas de la época, este larga duración destaca por un majestuoso
fondo orquestal de corte clásico; un suntuoso colchón de violines y arreglos de
viento que arropan de manera impecable el piano del maestro y su voz sincera,
íntima y directa.
El
rascado del microsurco nos devuelve una mezcla estereofónica de una calidad
asombrosa para la época. La ingeniería de sonido de RCA logró equilibrar la
sutil percusión, el fraseo de piano y la masa orquestal sin que ningún elemento
emborrone al otro. El resultado es un sonido analógico denso, aterciopelado y
de una profundidad acústica extraordinaria, ideal para llenar el salón de la
casa con una atmósfera envolvente y sumamente evocadora.
Mi experiencia
de surco
Tras
evocar hace poco la elegancia de Matt Monro, nos planteamos ahora un bellísimo
dilema: resulta verdaderamente difícil saber cuál de los dos gustaría más a los
enamorados, si el del cantante británico o este soberbio larga duración de
Armando Manzanero. Nos adentramos, sin paños calientes, en el terreno del puro
romanticismo.
Al
repasar estas catorce composiciones (algo inusual puesto que lo normal en
aquella época era que los LPs tuviesen 12 canciones), uno no puede evitar
hacerse la misma pregunta: ¿puede haber en la historia de la música popular
algo más romántico que esto? Nos encontramos ante una verdadera joya para los
enamorados, un disco con un encanto único que resulta ideal tanto para bailar
muy pegados en los guateques como para arrullarse al calor de sus melodías.
Este
disco nos demuestra que el romanticismo con mayúsculas no pasa de moda;
simplemente se conserva en el surco de los buenos vinilos. Una pieza
fundamental que demuestra por qué las partituras de Manzanero siguen siendo el
refugio perfecto para los corazones que saben paladear la música a fuego lento.
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(El maravilloso
mundo del vinilo)
FICHA TÉCNICA:
Artista:
Alberto Cortez
Título:
No soy de aquí
Sello
y Nº: Hispavox - H 724
Año
de esta edición: 1971
Detalles:
Single a 45 RPM. 2 canciones. Uno de los mayores hitos de la canción de autor
editado por la escudería Hispavox.
El comentario de
la aguja: La impecable acústica de la palabra cantada
En
1971, la discográfica Hispavox sumó a su catálogo una de las referencias más
imperecederas de la década al editar el sencillo H 724 de Alberto Cortez. El
artista, poseedor de una voz barítona de una potencia y una modulación
teatrales, tomó la célebre composición de Facundo Cabral «No soy de aquí, ni
soy de allá» y la revistió de una solemnidad melódica magistral. Lejos de la
sencillez de otros cantautores de la época, la producción de este single
destaca por un acompañamiento musical soberbio, donde sutiles arreglos de
cuerda y una instrumentación elegante sirven de fondo milimétrico para sostener
el fraseo y los imponentes crescendos del cantante.
Sorprende
la nitidez analógica que desprende el surco. El prensado de Hispavox otorga un
relieve fantástico a las frecuencias medias y graves, logrando que la voz de
Cortez resuene con una cercanía casi física en la habitación, mientras los
instrumentos se despliegan en un colchón sonoro tridimensional que no satura el
espectro en ningún momento. Una obra de arte de la ingeniería de sonido de la
época que permitía saborear cada verso con la máxima fidelidad.
Mi experiencia
de surco
Este
disco nos ofrece dos temas soberbios que cosecharon un éxito verdaderamente
clamoroso en España, inundando las listas de la época y las ondas radiofónicas
de una sensibilidad poética inigualable que, hoy en día, sigue emocionando con
la misma fuerza que el primer día.
La
canción popular se vestía de gala para hacernos reflexionar y conmovernos; y
aunque Cortez cantara aquello de no ser de ninguna parte, sus canciones se
quedaron a vivir para siempre en nuestros tocadiscos.
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FICHA TÉCNICA:
Artista:
Ángela Carrasco
Título:
Amigo mío, cuenta conmigo
Sello
y Nº: Ariola - 11.418-A
Año
de esta edición: 1977
Detalles:
Single a 45 RPM. 2 canciones. Un emotivo clásico del pop melódico de finales de
los setenta.
El comentario de
la aguja: El abrigo sinfónico de una estrella en ascenso
A
finales de los años setenta, el sello Ariola se convirtió en el hogar
indiscutible de las voces más potentes y emotivas del panorama hispanohablante.
Tras haber deslumbrado en los escenarios teatrales, la referencia 11.418-A
editada en 1977 sirvió para apuntalar a Ángela Carrasco como una de las
solistas más elegantes de la canción melódica. «Amigo mío, cuenta conmigo» es
una composición que destaca por su exquisito colchón instrumental; lejos de la
frialdad de otras producciones más austeras, aquí las cuerdas y los arreglos de
viento tejen un fondo orquestal suntuoso que arropa y empuja la interpretación
lírica sin llegar a eclipsarla.
Este
microsurco revela la fantástica calidad de mezcla que caracterizaba a los estudios
de Ariola en la época. La ecualización analógica otorga una enorme calidez al
rango medio, logrando que el torrente de voz de la artista suene nítido,
cercano y lleno de matices dramáticos. Es un tema redondo, con una cadencia
melódica perfecta para paladear en la tranquilidad del hogar o para deslizarse
con suavidad en las pistas de baile más románticas de aquellos años.
Mi experiencia
de surco
Nos
encontramos ante otro magnífico disco que nos regala dos muy buenas canciones
interpretadas con una excelencia vocal fuera de lo común. Un reencuentro
formidable con una artista que sabía cómo dotar a cada surco de una
sensibilidad inigualable.
Un
ejemplo que certifica cómo se fraguó una de las trayectorias más estables y
queridas del pop en español. Una pieza soberbia y cargada de nostalgia que
demuestra que, cuando se junta una voz excelsa con una gran partitura
orquestal, el vinilo se vuelve eterno.
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FICHA TÉCNICA:
Artista:
Ángela Carrasco
Título:
Quererte a ti
Sello
y Nº: Ariola - 100.714
Año
de esta edición: 1979
Detalles:
Single a 45 RPM. 2 canciones. Edición especial promocional de Starlux con
carátula original a todo color.
El comentario de
la aguja: Alta costura musical en formato promocional
A
finales de la década de los setenta, la industria discográfica española y las
grandes marcas de consumo sellaron una alianza que democratizó el acceso a la
música, una de las estrategias de mercadotecnia más entrañables y exitosas de
la España de la Transición. El fenómeno de los "discos de regalo"
asociados al consumo doméstico (café, detergentes, chocolates y, por supuesto,
los cubitos de caldo) llevó la cultura musical a los hogares de una manera
masiva.
Sin
embargo, la referencia 100.714 de Ariola editada en 1979 rompió todos los
moldes de lo que solía ser un producto promocional. En lugar de ofrecer un
plástico de segunda categoría, la campaña puso en manos del público una obra
maestra del pop melódico orquestal, firmada por la imponente voz de Ángela
Carrasco y respaldada por el genio compositivo de Camilo Sesto, quien regaló a
la artista una producción suntuosa, rica en arreglos de cuerda y de una fuerza
dramática incontestable.
Resulta
sorprendente constatar la impecable calidad del prensado analógico de Ariola.
Lejos de la fragilidad de otros discos promocionales, este surco ofrece una
respuesta de graves fabulosa y un relieve sinfónico de fondo que arropa la voz
de Ángela sin fisuras, permitiendo disfrutar de la riqueza de los instrumentos
con la misma fidelidad que una copia comercial de primera línea. Una producción
de lujo que se coló directamente en el día a día de miles de hogares.
Mi experiencia
de surco
En
pleno auge y democratización de la música pop en nuestro país, surgió con mucha
fuerza el fenómeno de los discos de regalo que se entregaban al adquirir determinados
productos cotidianos. Aquí tenemos el ejemplo perfecto de un disco que
regalaban comprando las populares pastillas para caldo Starlux.
En
esta ocasión, la marca sí que se lució por todo lo alto, porque tanto la
intérprete como las canciones —“Quererte a ti” y “No quiero bajar de mi nube”,
ambas de la autoría de Camilo Sesto— eran soberbias. Además, a diferencia de
otras promociones de la época en las que el vinilo se entregaba en una triste y
endeble funda de papel impreso a un solo color, este ejemplar se entregaba con
una fantástica carátula a todo color, con una presentación tan cuidada como si
hubiera sido un disco comprado directamente en la tienda.
Girar
este single de 1979 es recordar cómo la música de calidad era capaz de
conquistar cualquier rincón, desde las ondas de la radio hasta la cocina de
casa. Una pieza histórica y sociológica imprescindible que demuestra que los
grandes surcos, a veces, aparecían en los lugares más insospechados para
quedarse con nosotros para siempre.
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FICHA TÉCNICA:
Artista:
Basilio
Título:
Ve con él
Sello
y Nº: Novola / Zafiro - NOX - 175
Año
de esta edición: 1972
Detalles:
Single a 45 RPM. 2 canciones. Una de las producciones melódicas más potentes
del sello Novola.
El comentario de
la aguja: Un despliegue sinfónico y un éxito fugaz
Si
en otras ocasiones el formato Single pecaba de cierta desnudez instrumental, la
escudería Novola tiró la casa por la ventana en 1972 al producir la referencia
NOX - 175 para este cantante panameño, Basilio (Basilio Fergus Alexander), que llegó
a nuestro país para estudiar medicina y terminó conquistando los micrófonos.
Frente
a la soledad de otros intérpretes que apostaban todo a un instrumento acústico,
«Ve con él» se diseñó como un monumento al pop melódico de gran envergadura. La
canción avanza impulsada por una sección de cuerda vibrante, vientos imponentes
y unos coros de una riqueza armónica extraordinaria que arropan la portentosa y
elegante voz del solista.
Este
vinilo desprende una fuerza analógica verdaderamente espectacular. Los arreglos
orquestales no saturan el espacio; al contrario, crean un colchón de fondo tridimensional
que eleva la interpretación vocal a la categoría de épica romántica. Es una
producción redonda que demuestra cómo un buen envoltorio sinfónico es capaz de
dotar a una canción de una fuerza expresiva incontestable, ideal tanto para ser
escuchada con atención en el hogar como para conmover en la pista de baile.
Mi experiencia
de surco
Retomamos
el hilo de los éxitos fugaces con otro clarísimo ejemplo de impacto aislado en
el mercado musical de la época. En este plástico nos encontramos con dos muy
buenas canciones interpretadas por otro de esos cantantes de éxito efímero que,
a pesar de poseer unas condiciones vocales fantásticas, vieron cómo la fortuna
concentraba todo el favor del gran público en un momento muy concreto de sus
carreras. Sin embargo, la calidad de lo grabado en este surco permanece
inalterable.
Escuchar
este disco es reconciliarse con la mejor tradición del pop orquestal de los
setenta. Un vinilo demuestra que, aunque el éxito de un artista pueda resultar
pasajero, cuando una gran canción se viste con las mejores galas de una
orquesta de fondo, su recuerdo queda grabado a fuego en el plástico y en la
memoria.
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mundo del vinilo)
FICHA TÉCNICA:
Artista:
José Feliciano
Título:
Dos cruces
Sello
y Nº: RCA / Victor - 3-10632
Año
de esta edición: 1971
Detalles:
Single a 45 RPM. 2 canciones. Interpretación acústica de corte íntimo.
El comentario de
la aguja: El riesgo del minimalismo en el microsurco
En
1971, José Feliciano ya era una estrella internacional consagrada gracias a su
asombrosa capacidad para fusionar el pop, el bolero y el soul a través de su
personalísima voz y su maestría con la guitarra acústica. Con el lanzamiento de
la referencia 3-10632 de RCA Victor, el artista portorriqueño decidió
despojarse de los habituales arreglos de la época para ofrecer una lectura de
«Dos cruces» desprovista de artificios, apostando todo el peso de la grabación
a la vibración de sus cuerdas y al desgarro de su garganta.
Desde
el punto de vista estrictamente técnico, este single ofrece una nitidez
analógica pasmosa. Al no haber otros instrumentos compitiendo en el espectro de
frecuencias, la aguja capta con un realismo sobrecogedor cada rascado de la
madera, el brillo metálico de las cuerdas y la respiración cercana del
cantante. Es una producción cruda y directa que busca la máxima cercanía con el
oyente, aunque esa misma falta de elementos pueda dividir las opiniones de
quienes buscan una experiencia musical más rica y envolvente.
Mi experiencia
de surco
Nos
encontramos ante dos canciones verdaderamente preciosas, interpretadas por un
fantástico artista pero donde, inevitablemente, termino echando de menos la
calidez de un fondo orquestal. En este caso concreto, como de hecho me ha
ocurrido en otros muchos a lo largo de mi vida de oyente, nunca he llegado a
entender del todo por qué algunos cantantes —incluso algunos ya plenamente
consagrados en el panorama mundial, como es el caso de Feliciano— se decidían a
grabar discos con el único y exclusivo acompañamiento musical de su guitarra.
Por
muy buen vocalista que se sea y por muy virtuoso de las seis cuerdas que
demuestre ser el intérprete, cuando falta la orquesta siempre queda la
inevitable impresión de estar escuchando una canción “desnuda”. Es una
sobriedad que, a mi juicio, se muestra incapaz de transmitirnos toda la fuerza
y la emoción que unas composiciones tan soberbias como las que este disco nos
hubieran podido legar de haber contado con un buen acompañamiento orquestal
arropándolas de fondo.
Nos
hallamos, pues, ante un debate melómano imperecedero sobre la producción
musical. Un vinilo sumamente interesante que, precisamente por lo que le falta
en su instrumentación, invita a reflexionar sobre el poder de los arreglos a la
hora de vestir una melodía para la eternidad.
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mundo del vinilo)
FICHA TÉCNICA:
Artista:
ABBA
Título:
Voulez-vous
Sello
y Nº: Carnaby / Polar Music - MO 1879
Año
de esta edición: 1979
Detalles:
Single a 45 RPM. 2 canciones. El estandarte de la incursión del cuarteto en el
sonido disco internacional.
El comentario de
la aguja: De Estocolmo a Miami a través del microsurco
A
las puertas de los años ochenta, la música disco había mutado de ser un
fenómeno de clubs underground a convertirse en el lenguaje pop predominante en
todo el mundo. ABBA, lejos de quedarse al margen, asimiló esta corriente con su
habitual perfeccionismo melódico. En 1979, bajo el sello Carnaby y la
referencia MO 1879, llegó a las tiendas españolas «Voulez-vous», una
composición cantada con una fuerza arrolladora donde los sintetizadores y una
sección de vientos grabada en los prestigiosos estudios de Miami marcaban el
ritmo de una noche eterna.
Al
pinchar este single, se nota de inmediato la evolución técnica de las prensas
de finales de la década. El sonido analógico de Carnaby despliega unos graves
profundos y una línea de bajo funk increíblemente nítida, pensada expresamente
para hacer vibrar las pistas de las discotecas. La elegancia de las voces de
Agnetha y Frida sobrevuela una base rítmica trepidante, demostrando que ABBA
podía facturar música de baile sin perder un ápice de la complejidad
estructural que los caracterizaba.
Mi experiencia
de surco
Seguimos
adelante con nuestro particular repaso, deteniéndonos en este segundo vinilo que
atesoro del cuarteto sueco. Conviene aclarar a quienes siguen este rincón que,
lógicamente, en mi fonoteca particular tengo mucha más música editada de ABBA y
del resto de mitos que estamos revisando; sin embargo, este sentido homenaje
que estoy construyendo en mi blog se circunscribe única y exclusivamente al
mágico mundo de los discos de vinilo.
Centrándonos
en este plástico de 1979, nos encontramos ante otro single soberbio que resulta
plenamente representativo de la época dorada y de los grandiosos éxitos
encadenados que jalonaron la trayectoria de este conjunto irrepetible.
Hacer
girar este single en el tocadiscos es como encender de golpe los focos de
colores de la discoteca de nuestra juventud. Un vinilo sensacional que mantiene
intacta su pegada rítmica y que confirma que, en el formato de los 45 RPM, ABBA
no tenía rival a la hora de ponernos a bailar.
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FICHA TÉCNICA:
Artista:
ABBA
Título:
Chiquitita
Sello
y Nº: Carnaby / Polar Music - MO 1846
Año
de esta edición: 1978 / 1979
Detalles:
Single a 45 RPM. 2 canciones. Edición original española del mayor fenómeno
global del pop europeo.
El comentario de
la aguja: La obra benéfica que conquistó el mundo hispano
A
finales de 1978, el cuarteto sueco ABBA ya era una fuerza de la naturaleza
imparable en las listas de éxitos de todo el planeta. Sin embargo, el
lanzamiento de la referencia MO 1846 a través del sello Carnaby supuso un punto
de inflexión muy especial. Compuesta por Benny Andersson y Björn Ulvaeus,
«Chiquitita» nació con un propósito noble: ser presentada en la gala
"Music for UNICEF" de las Naciones Unidas. El grupo decidió ceder el
50% de las regalías de la canción a la protección de la infancia, un compromiso
solidario que sigue vigente hoy en día.
A
nivel puramente musical, el single es una obra de artesanía sonora. El tema
arranca con una bellísima y delicada introducción de guitarra acústica y piano
para ir creciendo paulatinamente, sumando las impecables armonías vocales de
Agnetha y Frida hasta estallar en un estribillo desbordante de optimismo,
coronado por un trote rítmico que invita a balancearse. La mezcla analógica de
esta edición de Carnaby posee una brillantez extraordinaria, destacando la
nitidez de las voces por encima del muro de sonido pop marca de la casa,
logrando que el mensaje de aliento de la canción acaricie directamente el oído
del oyente.
Mi experiencia
de surco
Se
suele decir en el argot futbolístico que cuando un jugador es una auténtica
superestrella mundial, tiene la categoría suficiente como para sentarse a comer
en la mismísima mesa de mitos como Messi y Cristiano Ronaldo. Pues bien, si
trasladamos esa metáfora al universo de las canciones, quizás no sería en
absoluto descabellado afirmar que ABBA podría sentarse a comer, con total
derecho, en la mesa reservada para gigantes de la talla de Elvis Presley, The
Beatles o Frank Sinatra. ¿He exagerado un poco al situarlos tan arriba? Tal
vez, pero si es así, desde luego muy poco le faltó a este grupo sueco para ser
invitado de honor a esa mesa de inmortales.
Realmente
hay poco que añadir sobre un conjunto que alcanzó una fama y una trascendencia
planetaria similar a la de los grandes reyes de la música popular. Este
entrañable y coreado single fue, sin duda alguna, uno de sus más grandes e
indiscutibles éxitos, llenando los hogares y las pistas de baile de una
sensibilidad única.
Cuando
el pop, cuando está hecho con genialidad y alma, se convierte en un lenguaje
clásico e inmune al paso del tiempo.
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FICHA TÉCNICA:
Artista: Shocking Blue
Título: Never marry a railroad man
Sello
y Nº: Poplandia / RCA - P - 30512
Año
de esta edición: 1970
Detalles:
Single a 45 RPM. 2 canciones. Edición original española bajo el cotizado sello
Poplandia.
El comentario de
la aguja: El traqueteo sónico que conquistó el éxito
En
1970, el sello RCA lanzó en España la etiqueta Poplandia con el objetivo de
canalizar los sencillos más potentes y vanguardistas del panorama
internacional. No tardaron en apuntarse un tanto histórico al editar la
referencia P - 30512 de los holandeses Shocking Blue. Tras haber tocado el cielo
con «Venus», la banda demostró que no era flor de un solo día lanzando «Never
marry a railroad man», un prodigio de pop-rock rítmico que se convirtió de
inmediato en un ciclón para las pistas de baile.
La
producción de este single es una obra de arte de la época. La canción avanza
impulsada por una línea de bajo y una batería que imitan de forma magistral el
avance implacable de una locomotora, mientras una guitarra acústica marcando el
compás y ráfagas de distorsión eléctrica arropan la portentosa voz de la
vocalista Mariska Veres. Al colocar la aguja en este vinilo de 45 RPM,
sorprende comprobar la enorme pegada analógica que posee: los instrumentos
tienen un relieve fantástico y una nitidez que ya quisieran para sí muchas
producciones actuales.
Mi experiencia
de surco
Nos
encontramos ante un ejemplo perfecto de esa música discotequera de los años 70
que hoy en día, más de cincuenta años después de su lanzamiento, sigue sonando
exactamente igual de bien que el primer día. Es, sin duda alguna, una de mis
canciones preferidas de toda la vida; un tema que tuvo un éxito clamoroso tanto
en las discotecas más modernas de la época como en los entrañables guateques.
Una composición redonda que ha demostrado tener el don de la inmortalidad,
manteniéndose fresca y sin envejecer lo más mínimo a pesar del paso implacable
del tiempo. Es, en definitiva, una de las canciones más enérgicas, contagiosas
y atemporales de toda la historia del pop-rock europeo y nos demuestra que el
verdadero ritmo no tiene fecha de caducidad.
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(El maravilloso
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FICHA TÉCNICA:
Artista:
John Lennon (Cara A) / Yoko Ono (Cara B)
Título: (Just Like) Starting Over
Sello y Nº: Geffen Records / Lenono Music - 45-2032
Año
de esta edición: 1980
Detalles:
Single a 45 RPM. 2 canciones. El histórico y trágico regreso discográfico de
Lennon tras cinco años de silencio.
El comentario de
la aguja: El diálogo roto del sello Geffen
En
octubre de 1980, el sello Geffen Records lograba el contrato más codiciado del
planeta: el regreso a los estudios de John Lennon. El ex-Beatle había estado un
lustro alejado de los focos, ejerciendo de amo de casa, y su regreso generó una
expectación inaudita. Sin embargo, Lennon impuso una condición innegociable: el
proyecto debía compartirse de forma equitativa con Yoko Ono. Así nació la
referencia española 45-2032, un single que presentaba una dicotomía sonora
radical entre sus dos caras.
Al
pinchar la cara A, la aguja extraía oro puro. «(Just Like) Starting Over» era
una lección magistral de pop melódico con ecos de los años 50, donde la voz de
Lennon sonaba más limpia, feliz y cristalina que nunca, arropada por unos coros
perfectos. Era el sonido de un hombre celebrando la vida. La producción
analógica de Geffen daba un relieve asombroso a la instrumentación. Sin
embargo, al dar la vuelta al plástico, el panorama cambiaba de forma abrupta
hacia la experimentación de la vanguardia neoyorquina, obligando al oyente a un
choque estilístico difícil de digerir.
Mi experiencia
de surco
Damos
otro salto hacia adelante en el tiempo y aquí ya estamos hablando de palabras
mayores. Claro que, para poder escuchar y disfrutar de la genialidad de Lennon,
tuvimos que pagar el precio de un single de dos canciones para acabar
escuchando solamente una de ellas. Estoy seguro de que cualquier amante de la
música me entiende perfectamente.
Tras
cinco años de absoluto retiro voluntario para cuidar a su hijo Sean, John
Lennon regresaba por todo lo alto al mundo de la música con el álbum Double
Fantasy. La jugada comercial y artística del disco —y de sus singles de
anticipación— fue plantearlo como un "diálogo musical" al cincuenta
por ciento entre él y su esposa. Esta copia es el primerísimo sencillo de esa
nueva etapa, editado en España por la recién nacida discográfica Geffen
Records.
En
una de las caras del vinilo, Lennon cantaba esta maravillosa composición que
fue un éxito absoluto en todo el mundo. En la otra cara, Yoko Ono cantaba —por
llamarlo de alguna manera— otro tema completamente distinto. Nadie en su sano
juicio se habría comprado jamás este disco por la aportación de Yoko Ono; pero
la inmensa recompensa de volver a escuchar a John Lennon hacía que valiese la
pena, con creces, pagar por un single entero para disfrutar únicamente de su
mitad. Trágicamente,
apenas unas semanas después de que este single llegara a las tiendas en noviembre
de 1980, Lennon fue asesinado en Nueva York, convirtiendo este trozo de
plástico en su último mensaje en vida.
Este
vinilo es un reencuentro con la historia de la música con mayúsculas, pero
también con la nostalgia de lo que pudo haber sido y no fue. Un vinilo
imprescindible que demuestra que, a veces, la cara A de un disco tiene tanta
luz y tanta magia que es capaz de eclipsar cualquier sombra que arrastre en su
reverso.
Biblioteca
Fisac
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(El maravilloso
mundo del vinilo)
FICHA TÉCNICA:
Artista:
Christie Lee
Título:
Entre dos amores
Sello
y Nº: RCA / Victor - PB-7639
Año
de esta edición: 1977
Detalles:
Single a 45 RPM. 2 canciones. Edición especial para el mercado español con
adaptación al castellano.
El comentario de
la aguja: La estrategia de la palabra escrita
En
el ecuador de la década de los setenta, las delegaciones españolas de las
grandes multinacionales discográficas, como RCA, tenían muy estudiado el
mercado transatlántico. Sabían que una buena melodía de herencia
norteamericana, convenientemente suavizada y traducida al castellano, tenía el
éxito casi asegurado en las radiofórmulas y locales de nuestro país. El
lanzamiento en 1977 de «Entre dos amores» por parte de la solista Christie Lee
funcionó como el engranaje perfecto de esta maquinaria de impactos inmediatos.
El
tema, que adaptaba con tremendo gusto el éxito estadounidense «Two Lovers»,
destacaba por una producción limpia, de arreglos melódicos muy cuidados y un
estribillo directo, diseñado para enganchar al oyente desde los primeros
compases. La referencia PB-7639 de RCA Victor posee esa brillantez acústica de
finales de los setenta, donde la instrumentación pop ya coqueteaba con una ecualización
más moderna y pulida, ideal para destacar la voz solista por encima de la
melodía y facilitar que el público conectara con el mensaje de la canción.
Mi experiencia
de surco
Damos
un salto hacia adelante en el tiempo para encontrarnos con otro de esos éxitos
esporádicos que ilustran a la perfección el fenómeno del “One-Hit Wonder” que
comentábamos hace poco.
Este
vinilo en concreto nos ofrecía la versión en español del éxito estadounidense
“Dos amantes” (Two Lovers). Como gran aliciente, la discográfica tuvo el
acierto de incluir la letra de la canción en la edición, un detalle que sin
duda ayudó enormemente a impulsar su efímero pero intenso éxito en las pistas y
hogares de España.
Fue
uno de esos destellos fugaces que, aunque no cimentaron una carrera longeva
para su intérprete, lograron congelar un momento exacto en el tiempo. Una
muestra magnífica de cómo un detalle tan sencillo como regalar la letra al
comprador bastaba para convertir un plástico en un triunfo inmediato.
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