(El maravilloso
mundo del vinilo)
FICHA TÉCNICA:
Artista:
Julio Iglesias
Título:
Quiero / Abrázame
Sello
y Nº: Columbia - MO 1525
Año
de esta edición: 1975
Detalles:
Single a 45 RPM. 2 canciones. Edición original española en sonido estéreo.
Contraportada especial con las letras de ambas canciones impresas.
El comentario de
la aguja: Un Single que no tiene nada que envidiar al mejor de los LPs
Al
dejar caer la aguja con pulso firme sobre la codiciada referencia MO 1525 de
1975, la fonoteca es testigo del extraordinario empaque técnico que habían
alcanzado las producciones de la factoría Columbia a mediados de los setenta.
«Quiero» es un monumento al pop melódico de alta gama.
Hacer
girar este single de 1975 es refrendar que un trozo de vinilo de siete pulgadas
puede albergar la misma distinción y peso histórico que el mejor de los LPs si
la industria sabe tratar con respeto al coleccionista; una pieza que demuestra
que la grandeza musical no entiende de diámetros.
Mi experiencia
de surco
Al
ver girar hoy este plástico a 45 revoluciones, es de justicia recordar que nos
hallamos ante dos canciones memorables que coparon de forma absoluta los
primeros puestos de las listas de éxitos en la mismísima plenitud de la carrera
del cantante. Pero más allá de su imbatible melodía, este vinilo custodia un
detalle editorial de un señorío impecable: en su contraportada venían impresas,
al milímetro, las letras de las dos canciones. Un gesto industrial sumamente
sencillo y extraordinariamente barato para las compañías discográficas, pero
que contribuía de manera decisiva a que las composiciones calasen hondo y se
popularizasen entre la juventud. Uno se pregunta con inevitable nostalgia por
qué las altas esferas de las discográficas no aprenderían de este truco tan
elemental, económico y brillante para ganarse al público y asegurar más ventas.
Un vinilo provisto de una solera histórica y una elegancia acústica soberbias
que da gloria ver girar en nuestro plato.
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Fisac
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(El maravilloso
mundo del vinilo)
FICHA TÉCNICA:
Artista:
Julio Iglesias
Título:
Soy
Sello
y Nº: Columbia - TXS 3013
Año
de esta edición: 1977 (Nota: Lanzamiento original en 1973; esta referencia TXS
3013 corresponde a las deseadas e impecables prensas de Columbia de mediados de
los 7enta).
Detalles:
LP a 33 RPM. 10 canciones. Edición original española en sonido estéreo. Portada
abierta de lujo con diseño gráfico de época.
El comentario de
la aguja: Los sastres de la canción
En
la intrahistoria de este álbum late un cambio fundamental: el momento exacto en
el que los compositores empezaron a escribir pensando en el hombre que se
escondía detrás de las gafas de sol. Aunque en esta etapa inicial de los años
setenta Julio Iglesias aún asumía el peso de sus propios textos, la industria
descubrió que el público demandaba una comunión absoluta entre el artista y sus
vivencias reales. Este camino hacia el "traje a medida" musical
encontraría años más tarde a sus dos máximos exponentes: Ramón Arcusa y Manuel
Alejandro.
En
este álbum de 1973, Ramón Arcusa (la mitad del Dúo Dinámico) todavía no
figuraba como su mano derecha —esa alianza de oro llegaría un poco más tarde, a
finales de la década, para facturar álbumes como Hey!—, pero en las
composiciones de este plástico ya se adivinaba esa búsqueda del "traje a
medida". En «Soy», es el propio Julio Iglesias quien escribe gran parte de
las letras, desnudando sus vivencias en temas eternos como «Minueto» o «Así
nacemos».
Ramón
Arcusa se convertiría en su productor y coautor de cabecera a partir de finales
de la década, puliendo y sofisticando ese sonido limpio que conquistó América. Aunque
su colaboración cumbre llegaría en 1987 con el monumental LP «Un hombre solo»,
con canciones imponentes como «Lo mejor de tu vida» o «Todo el amor que te hace
falta», la semilla de esa forma de entender la música —donde la canción es un
espejo de la vida personal del intérprete— comenzó a germinar precisamente en
los microsurcos de este disco de 1973.
Por
otro lado, también el genio supremo del compositor jerezano Manuel Alejandro,
el sastre musical por excelencia de la canción iberoamericana, acabaría
cruzando sus surcos con los de Julio Iglesias. Manuel Alejandro poseía la
habilidad casi mágica de fundir la identidad del cantante con la partitura,
analizando sus desamores, su soledad y su madurez para componerle auténticas
joyas biográficas, como si fuesen páginas arrancadas de su propio diario
íntimo.
Mi experiencia
de surco
Al
ver girar hoy este vinilo resulta evidente que nos encontramos ante el disco
donde comienza a ser verdaderamente difícil separar al Julio cantante del Julio
persona. Es el instante preciso en el que la vida profesional del intérprete se
fue fundiendo de forma irreversible con su vida personal, añadiendo una
dimensión completamente nueva de portadas de revistas, tertulias y crónica
social a su ya inmensa popularidad.
Este
disco es, sin duda alguna, el mejor ejemplo de esa mutación. Un plástico
provisto de una solera histórica inmensa y un empaque instrumental de un
señorío absoluto.
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Fisac
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mundo del vinilo)
FICHA TÉCNICA:
Artista:
Julio Iglesias
Título:
Gwendolyne / Bla, bla, bla
Sello
y Nº: Columbia - MO 764
Año
de esta edición: 1970
Detalles:
Single a 45 RPM. 2 canciones. Edición original española en sonido estéreo.
Canción representante de España en el Festival de Eurovisión de 1970.
El comentario de
la aguja: Los cimientos de un mito universal
Julio
Iglesias ya era un artista conocido, pero el impacto de defender «Gwendolyne»
ante toda Europa en el Festival de Eurovisión, bajo la batuta de Augusto
Algueró, catapultó su carrera hacia una dimensión estratosférica. Aunque no se
alzó con el primer premio (quedó en una más que meritoria cuarta posición
empatado con Francia y Suiza), aquella histórica actuación en Ámsterdam fue el
trampolín perfecto que le sirvió para seguir escalando puestos en el salón de
la fama internacional y abrir las puertas de los mercados extranjeros de par en
par. Y es que hay canciones que no necesitan el primer puesto de un jurado para
conquistar los corazones de todo un continente a través del vinilo.
Mi experiencia
de surco
Nos
hallamos ante un Single verdaderamente histórico y que nos permite constatar la
tremenda velocidad con la que se consolidó como una primera estrella de la
canción. Aquella mítica velada le sirvió como el trampolín definitivo para
seguir escalando puestos de manera imparable en el salón de la fama
internacional.
Hay
canciones que no necesitan el primer puesto de un jurado para conquistar los
corazones de todo un continente a través del vinilo y esta no podía faltar en
una fonoteca.
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Fisac
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FICHA TÉCNICA:
Artista:
Julio Iglesias
Título:
La vida sigue igual / El viejo Pablo
Sello
y Nº: Columbia - ME 446
Año
de esta edición: 1968
Detalles:
Single a 45 RPM. 2 canciones. Edición original española. Disco debut tras su
triunfo en el Festival de Benidorm.
El comentario de
la aguja: La frescura de un debutante del que nadie sospechó la dimensión que
alcanzaría
Con
este disco comenzó todo. La calidad incontestable de «La vida sigue igual» tras
alzarse con la Sirenita de Oro en el Festival de la Canción de Benidorm hizo
que su popularidad alcanzase todos los rincones. Ciertamente era una
composición soberbia, un dechado de elegancia melódica, que empezó a sonar con
fuerza en todas las emisoras del país. Nadie, absolutamente nadie, podía
vislumbrar en ese momento quién era aquél joven exfutbolista que aparecía con
una timidez casi entrañable sobre el escenario, como tampoco nadie podía
imaginar la dimensión planetaria que alcanzaría su figura décadas más tarde.
Mi experiencia
de surco
“La
vida sigue igual” es el kilómetro cero de su inmensa andadura musical, por lo
que resulta emocionante hacer un ejercicio de memoria histórica. En aquel
verano de 1968, absolutamente nadie sabía quién era Julio Iglesias; era un
perfecto cantante desconocido para el gran público. Y, sin embargo, fuimos
muchos los que corrimos a comprar este disco que acababa de sacar al mercado,
impulsados por el impacto de haberlo visto ganar el prestigioso Festival de la
Canción de Benidorm. Ciertamente, se trataba de una canción soberbia, redonda y
con un gancho melódico imbatible que de inmediato empezó a sonar en todas
partes. En aquel momento, nadie podía llegar a imaginar la cima monumental y el
éxito planetario hasta donde llegaría años más tarde este artista. Pero la
aguja no miente: en este humilde plástico y con este disco empezó todo. Un
vinilo provisto de una solera histórica descomunal y una distinción melódica
que ennoblece nuestro rincón de audición.
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(El maravilloso
mundo del vinilo)
FICHA TÉCNICA:
Artista:
Albert Hammond
Título:
Mi álbum de recuerdos
Sello
y Nº: EPIC / CBS - EPC 82353
Año
de esta edición: 1977
Detalles:
LP a 33 RPM. 10 canciones. Edición original española. Carpeta de lujo con funda
interior especial que incluye las letras de todas las canciones.
El comentario de
la aguja: Brillantez melódica, acústica limpia y relieve estéreo
Este
álbum es un dechado de ingeniería de sonido analógica. La instrumentación de
las 10 canciones esquiva cualquier linealidad rítmica, edificándose sobre un
suntuoso y majestuoso fondo orquestal de una riqueza dinámica conmovedora. Las
cuerdas trazan unos contrapuntos amplios, fluidos y de un lirismo bellísimo,
que avanzan en perfecta armonía con guitarras acústicas sumamente limpias,
vientos de madera de corte barroco y pianos rotundos, conformando un abrigo
instrumental imponente que sostiene los magnéticos ganchos melódicos del autor.
El crisol de
Gibraltar: El bilingüismo que conquistó los estudios mundiales
Para
comprender la figura de Albert Hammond, es necesario descifrar su peculiar
geografía vital. Albert Hammond es la personificación del crisol de culturas.
Nació en Londres en 1944, en plena Segunda Guerra Mundial, puesto que su
familia había sido evacuada de Gibraltar debido al conflicto. En cuanto terminó
la guerra, regresó al Peñón, por lo que se crio, creció y se formó en Gibraltar.
De ahí que sea gibraltareño, un súbdito británico bilingüe que absorbió desde
la cuna tanto el pop anglosajón como la música en castellano. En su juventud se
afincó en España, donde desarrolló una etapa crucial de su carrera y donde
perfeccionó ese encantador acento andaluz tan característico que nos hacía
sentirlo como un artista plenamente patrio.
Su
relación de colaboración con la aristocracia de nuestra música es descomunal y,
de hecho, está íntimamente ligada al Dúo Dinámico. Su conexión con Ramón Arcusa
fue fundamental: Ramón fue el productor y arreglista de cabecera en muchos de
los grandes éxitos en español de Albert Hammond, cincelando conjuntamente ese
sonido tan limpio y reconocible que le caracteriza. Pero la alianza fue de
doble dirección: Albert Hammond compuso y produjo mano a mano con el Dúo
Dinámico algunas de las páginas más gloriosas de la música en castellano.
¿Un
ejemplo icónico? El celebérrimo álbum Hey! (1980) de Julio Iglesias, donde
Hammond y Ramón Arcusa unieron sus talentos para facturar éxitos mundiales.
Además, como compositor en la sombra para el mercado internacional, Albert es
el cerebro detrás de himnos eternos interpretados por Tina Turner («The Best»),
The Hollies («The Air That I Breathe»), Whitney Houston («One Moment in Time»)
o Leo Dan («To All the Girls I've Loved Before», que luego cantarían Julio
Iglesias y Willie Nelson). Un gigante absoluto de los despachos y los estudios.
Mi experiencia
de surco
Nos
encontramos ante un magnífico LP de 10 canciones que en su tiempo recopiló, con
un gusto exquisito, algunos de sus más grandes y aplaudidos éxitos cantados
íntegramente en español.
Escuchar
estas canciones mientras repasamos los textos impresos en su cuidada funda
interior, es un ejercicio de nostalgia y alta fidelidad formidable. Escuchar
piezas tan populares con esa voz tan personal y cercana nos recuerda la inmensa
grandeza de un compositor universal que supo ganarse el corazón del público
hispano como si fuera uno de los nuestros.
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FICHA TÉCNICA:
Artista:
Alberto Bourbon
Título:
Años de amor
Sello
y Nº: RCA Victor - SPL 1-2238 Stereo
Año
de esta edición: 1974
Detalles:
LP a 33 RPM. 10 canciones. Edición original española en sonido estéreo. Álbum
que significó su retorno discográfico tras un largo retiro.
El comentario de
la aguja: El poeta herido
Hay
que buscar mucho para encontrar la referencia SPL 1-2238 de 1974 y, entonces, la
sala de audición se impregna de una atmósfera de pop íntimo y alta fidelidad
soberbia. Un monumento a la elegancia, muy lejos de las producciones planas de
la época. Su
registro profundo, de barítono preñado de melancolía existencialista, flota
sobre la orquesta con una solera analógica reconfortante, libre de cualquier
distorsión por modulación.
Una carrera
truncada demasiado pronto
Alberto
Bourbon nació en Madrid en el año 1944. Era hijo de un joven diplomático
francés casado con una española, lo que hizo que se criase en el Liceo Francés
de la capital y que residiera durante gran parte de su juventud en París y
Londres, llegando incluso a cumplir tres años de servicio militar con el
ejército galo. De ahí que su estilo estuviese tan profundamente impregnado por
la chanson existencialista de Jacques Brel.
Alberto
Bourbon falleció en Madrid en el año 2001, víctima de un fulminante ataque
cardíaco. Aunque murió con 57 años —una edad temprana que nos privó demasiado
pronto de su talento—, su carrera se truncó muchísimo antes debido a la
fatalidad. En 1971 sufrió un gravísimo accidente de tráfico que casi le cuesta
la vida y lo mantuvo tres largos años completamente apartado de los escenarios.
Durante ese retiro forzoso, se volcó en su colosal faceta de compositor y
productor, regalando canciones inmensas para figuras de la talla de Massiel,
Mocedades, Rocío Jurado (de quien fue productor de cabecera en sus mayores
éxitos discográficos) o Marisol.
Por
fortuna, el destino nos ha dejado grabado este LP de 10 canciones para que
recordemos siempre la altura de sus composiciones y esa imponente y profunda
voz que trasladaba de manera directa sus sentimientos más íntimos al corazón
del oyente. Un vinilo dotado de una solera histórica insuperable y una
distinción melancólica que engrandece nuestro rincón de audición.
Mi experiencia
de surco
Rescatamos
hoy del anonimato general una de las piezas más singulares, conmovedoras y
selectas de todos mis archivadores. Nos situamos en el año 1974 para poner a
girar en nuestro plato el LP “Años de amor” de Alberto Bourbon. Mi historia con
este plástico es el vivo ejemplo del idilio del coleccionista: sólo había
escuchado en la radio un par de canciones suyas y ese efímero instante fue más
que suficiente para que corriera a comprar este álbum a ciegas, a pesar de que
no sabía absolutamente nada sobre este cantautor. Su instinto no me falló. Alberto
Bourbon fue un gran cantautor, un creador de una sensibilidad arrolladora que
desgraciadamente murió joven tras ser golpeado por la fatalidad y arrastrar una
delicada salud rematada por una dolencia cardíaca.
Una
tremenda pena que nos abandonase tan pronto una voz tan sumamente profunda,
cálida y un cancionero tan estrictamente personal. Por fortuna, la radio de los
setenta custodiaba tesoros que el tiempo no ha podido borrar gracias a la
fidelidad del vinilo.
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FICHA TÉCNICA:
Artista:
Mari Trini
Título:
El tiempo y yo
Sello
y Nº: Hispavox - HHS 11-334 (LS)
Año
de esta edición: 1977
Detalles:
LP a 33 RPM. 10 canciones. Edición original española bajo el sello Hispavox.
El comentario de
la aguja: Transición sónica, graves redondos y nitidez analógica a finales de
los setenta
Con
la referencia HHS 11-334 de 1977, somos testigos del espléndido crecimiento
interpretativo y de producción que experimentó la artista. La instrumentación
de este larga duración se desmarca de los patrones puramente acústicos de
principios de década para edificarse sobre un suntuoso y majestuoso fondo
orquestal de una riqueza técnica fastuosa. Su canto, preñado de una madurez
escénica formidable, flota en la sala con una solera analógica reconfortante.
Mari
Trini no fue una figura efímera ligada a una moda concreta; al contrario,
pasaron los años y ella demostró una casta y una solvencia autorales
descomunales, continuando con la composición de textos de un calado psicológico
tremendo y manteniéndose siempre, por derecho propio, en los primeros lugares
de las listas de éxitos y del respeto de la crítica.
Mi experiencia
de surco
Cerramos
nuestro díptico monográfico dedicado al inmenso legado de Mari Trini avanzando
siete años en el tiempo en nuestros casilleros hasta detenernos en el año 1977.
Nos situamos ante un LP de gran formato sumamente revelador editado por el
sello Hispavox bajo el sugerente título de “El tiempo y yo”, un plástico que
atesora 10 composiciones soberbias.
Resulta
gratificante comprobar cómo pasaron los años y Mari Trini continuó plenamente
al pie del cañón, componiendo, lanzando nuevos temas al mercado y manteniéndose
de forma ininterrumpida entre los primeros lugares de la vanguardia musical
española, sin perder ni un ápice de su esencia. Este vinilo nos sirve como el
contrapunto perfecto para analizar y paladear su riquísima evolución poética y
musical a lo largo del tiempo. Un disco de una solera histórica y una elegancia
instrumental intachables que pone un broche de oro de altísima fidelidad a
nuestro rincón de audición.
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mundo del vinilo)
FICHA TÉCNICA:
Artista:
Mari Trini
Título:
Amores
Sello
y Nº: Hispavox - HHS 11-201
Año
de esta edición: 1970
Detalles:
LP a 33 RPM. 11 canciones. Edición original española. Álbum consagratorio de
estudio.
El comentario de
la aguja: La consagración de una cantautora eterna
La
mítica referencia HHS 11-201 de 1970, nos sumerge en uno de los despliegues de
producción más excelsos de la música española de la década. Bajo la dirección
del sello Hispavox, la instrumentación del álbum huye de los acompañamientos
planos de estudio para edificarse sobre un suntuoso y majestuoso fondo
orquestal, que confiere un empaque instrumental imponente a la desgarradora
lírica de la cantautora.
Quizás
este sea su disco más monumental, popular y aclamado por la crítica: el
insuperable LP “Amores”, que encierra en sus surcos 11 composiciones de una
belleza y un calado emocional arrebatadores. Mari Trini consiguió vestir la
canción de autor española con la elegancia y el misterio de los bulevares
parisinos.
Mi experiencia
de surco
Al
ver girar hoy este vinilo bajo el flexo de nuestra fonoteca, r
Resulta
evidente el magnetismo internacional de su propuesta. Si no fuera porque canta
en un perfecto español, con su característico acento y sabiendo que es española
de pura cepa, cualquiera que la escuchase con los ojos cerrados diría que nos
encontramos ante una refinada cantante de la chanson francesa. Mari Trini se
empapó de esa melancolía existencialista, de esa poética de la lluvia y el
desamor durante sus años en París, importando a la España de 1970 una
sensibilidad artística que aquí resultó revolucionaria. Un estilo que la
convirtió en una cantautora de éxito masivo y que sitúa a este álbum, con total
justicia crítica, como el mejor y más redondo de toda su andadura.
Mari
Trini fue una cantautora poseedora de una sensibilidad única que cosechó un
éxito masivo inmenso, firmando aquí el que posiblemente sea el mejor y más
completo disco de toda su trayectoria. Sus canciones han demostrado una solera
histórica imbatible, perdurando con fuerza a lo largo de los años hasta el
punto de que la mismísima María Dolores Pradera incorporó alguna de estas
piezas a su repertorio de gala.
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FICHA TÉCNICA:
Artista:
Luis Eduardo Aute
Título:
Diálogos de Rodrigo y Gimena
Sello
y Nº: RCA Victor - LPM 10353
Año
de esta edición: 1967
Detalles:
LP a 33 RPM. 11 canciones. Edición original española. Carpeta especial que
incluye un dibujo original realizado por Aute en la portada y el libreto con
las letras de todas las canciones.
El comentario de
la aguja: Sofisticación barroca y calidez susurrada
Este
primer larga duración de Luis Eduardo Aute es una exhibición de producción
detallista y arreglos sofisticados. Lejos de conformarse con un acompañamiento
acústico plano, la instrumentación del álbum se edifica sobre un suntuoso y
majestuoso fondo orquestal de una delicadeza dinámica abrumadora.
Al
ver girar hoy este LP bajo el brazo del tocadiscos, resulta inevitable rendirse
ante la genialidad de un creador irrepetible. Aute era un artista polifacético
en el sentido más amplio del término: pintor, poeta, escritor, compositor... y
también cantante, demostrando que, a pesar de tener poca voz, poseía una
sensibilidad innovadora tan inmensa que le permitió cimentar una carrera de
éxito larguísima y memorable. Atesorar este vinilo, cuya preciosa carpeta viene
ilustrada con un dibujo del propio Aute y contiene todas las letras de sus
canciones, es un auténtico privilegio de coleccionista.
Mi experiencia
de surco
Nos
situamos en el año 1967 para escuchar el que, indiscutiblemente, es el disco
más importante, popular e influyente en los inicios de la trayectoria de Luis
Eduardo Aute: “Diálogos de Rodrigo y Gimena”.
En
este plástico se encuentra su originalísima canción “Aleluya Nº 1”, una pieza
que rompió moldes por completo en su época y lo catapultó de inmediato a la
cima. Pero la joya absoluta que da título al álbum es “Diálogos de Rodrigo y
Gimena”, posiblemente una de las poquísimas canciones de nuestra música
construida de una sola pieza, mediante un continuo musical absoluto donde no se
repite ninguna estructura: no hay estrofas ni estribillos convencionales, sino
una narración melódica ininterrumpida de una belleza soberbia para recrear los
diálogos imaginarios entre el Cid Campeador y Doña Gimena. Un vinilo provisto
de una solera histórica y una audacia instrumental monumentales.
Hacer
girar este LP de 1967 es refrendar que la grandeza de un vinilo no reside en la
potencia de la voz, sino en la profundidad del mensaje y el inconformismo de su
estructura. Y escuchar la canción «Aleluya Nº 1» es recordar el terremoto
cultural que supuso aquel tema que rompió por completo los moldes de la época y
lo encumbró a la cima de la popularidad.
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Fisac
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mundo del vinilo)
FICHA TÉCNICA:
Artista:
Joan Manuel Serrat / Orquesta de J. Hamerstehl
Título:
Joan Manuel Serrat. Música sola
Sello
y Nº: Barnafon / Edigsa - CM 187 L
Año
de esta edición: 1968
Detalles:
LP a 33 RPM. 10 canciones. Edición instrumental original ("Música sin
palabras"). Arreglos y dirección de orquesta por J. Hamerstehl.
El comentario de
la aguja: Una edición de culto absoluto
Al
depositar la aguja con pulso firme sobre la codiciada referencia CM 187 L de
1968, asistimos al despliegue acústico más ambicioso, sofisticado y noble que
jamás haya albergado nuestra sala de audición. «Música sola» es un prodigio de
la ingeniería de sonido de finales de los sesenta.
Se
trata de una auténtica y absoluta rareza arqueológica, una pieza de culto cuya
solera discográfica quita el hipo. En 1968, en pleno estallido de la Nova Cançó
y con el fenómeno Serrat rompiendo moldes, el sello catalán Edigsa (bajo su
serie Barnafon) apostó por una pirueta industrial fascinante: desvestir las
composiciones del cantautor de su pilar fundamental —su voz y sus letras— para
confiarle todo el peso emocional a la Orquesta de J. Hamerstehl.
Las
melodías se desnudan de su significado concreto para volverse universales,
tocando de inmediato lo más profundo de tu ser, erizando la piel y haciendo
vibrar el alma con una fuerza dramática y una belleza que escapan a la razón. Al
prescindir del registro vocal, la producción musical se edifica en su totalidad
sobre un suntuoso y majestuoso fondo orquestal, de una riqueza dinámica y
tímbrica sobrecogedoras.
Mi experiencia
de surco
He
compartido ya multitud de vinilos memorables en este rincón y todavía nos
quedan muchísimos más por delante, pero hoy ponemos a girar el que es, sin
dudarlo un solo instante, el mejor disco de toda mi fonoteca de vinilos. Si las
circunstancias me obligasen a quedarme con uno solo de ellos, si tuviese que
elegir la pieza que más me apasiona, me conmueve y me gusta de todos mis
archivadores, elegiría este soberbio álbum instrumental de 1960 y 1968 editado
bajo el sello Barnafon.
Nos
encontramos ante una rareza extrema y una auténtica e incontestable joya del
coleccionismo discográfico. En este vinilo, una imponente orquesta sinfónica
interpreta 10 de los grandes temas de Joan Manuel Serrat bajo la dirección y
los magistrales arreglos de J. Hamerstehl. Son tan sumamente impresionantes,
ricas y puras las interpretaciones musicales de sus melodías que consiguen
tocar de inmediato lo más profundo de tu ser, haciendo vibrar tu alma como
ningún otro plástico en el mundo ha logrado jamás. Nos hallamos ante un milagro
de música sin palabras que, precisamente por carecer de voz, es capaz de decir
muchísimo más que cualquier otro disco. Sentarnos a escuchar este vinilo, es
asistir a un ritual sagrado de altísima fidelidad y emoción insuperables.
La
cúspide de una colección de vinilos no se mide por la popularidad de sus
títulos, sino por la capacidad de cada ejemplar para rozar lo divino a través
de la música pura.
Biblioteca
Fisac
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mundo del vinilo)
FICHA TÉCNICA:
Artista:
Joan Manuel Serrat
Título:
Joan Manuel Serrat (Conocido también como «La paloma»)
Sello
y Nº: Novola / Zafiro - NLX-1013
Año
de esta edición: 1969
Detalles:
LP a 33 RPM. 10 canciones. Edición original española. Carpeta de lujo
desplegable con libreto interior de varias hojas que contiene las letras de
todas las canciones.
El comentario de
la aguja: Pulso poético en alta fidelidad
La
referencia NLX-1013 de 1969, llegó en el cénit técnico de las grabaciones en
castellano de finales de los sesenta en España. Los arreglos del director
musical Ricard Miralles son un dechado de genialidad, con un fondo orquestal que
sostiene el pulso poético de cada verso.
Técnicamente,
este prensado original de Novola destaca por unas prestaciones de alta
fidelidad legendarias. La perfecta dicción de Serrat y sus célebres
modulaciones flotan con una solera analógica reconfortante, invitándonos a una
escucha serena.
Mi experiencia
de surco
Nos
detenemos ante el año 1969 para poner a girar el que considero, con firme
convicción, el mejor disco de Joan Manuel Serrat si entramos a valorar en su
justo y completo conjunto la totalidad de las canciones que atesora en sus
surcos.
Escuchándolo
de nuevo, resulta imposible no viajar en el tiempo hacia aquellas inolvidables
tardes de mi juventud compartidas con mis amigos. Nos sentábamos juntos en la
habitación con el único propósito de escuchar sus canciones; porque este disco
no estaba concebido para bailar —aunque el ritmo de algún corte lo permitiese—,
sino que era una obra hecha por y para “ESCUCHAR” con los cinco sentidos
puestos en el plástico.
Revisar
las letras impresas en las hojas de su imponente carpeta desplegable es toparse
con un rosario ininterrumpido de genialidades imperecederas: “Tu nombre me sabe
a hierba”, “La paloma”, “Balada de otoño”, “Poema de amor”, “El titiritero” o
“Manuel”. Pero si una composición se nos quedó grabada por su valentía social
fue la titulada “Poco antes de que den las diez”. En ella, Serrat ponía
magistralmente en entredicho la tremenda e imperante hipocresía de la época,
retratando cómo las chicas tenían la estricta obligación moral de estar de
vuelta en sus casas antes de las diez de la noche para que los padres se
quedasen tranquilos en sus sofás, haciendo el ridículo paripé de pensar que no
fuesen perfectamente capaces de hacer lo que quisiesen antes de que el reloj
marcase esa hora.
Hacer
girar este LP es refrendar que las obras cumbre de una fonoteca son aquellas
que exigieron nuestra atención absoluta para transformar el silencio en
recuerdos imborrables.
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(El maravilloso
mundo del vinilo)
FICHA TÉCNICA:
Artista:
Manolo Díaz
Título:
Manolo Díaz
Sello
y Nº: Sonoplay / Iberofon - SC-7000 (en vinilo) / SC-30.000 (en etiqueta de
carpeta)
Año
de esta edición: 1967
Detalles:
LP a 33 RPM. 12 canciones. Edición original española. Carpeta desplegable
especial con dos hojas interiores que incluyen las letras de todas las
canciones.
El comentario de
la aguja: Crítica acústica y brillantez estéreo en el catálogo de Sonoplay
Al
escuchar esta codiciada pieza de 1967 prensada por Iberofon, la fonoteca se
traslada al epicentro del inconformismo musical de finales de los sesenta. Este
único LP de Manolo Díaz es una exhibición de producción acústica y pop de
vanguardia para su época. La instrumentación del álbum esquiva los arreglos
planos de estudio, edificándose sobre un suntuoso y majestuoso fondo orquestal
de corte folk-rock. Las secciones de cuerda ejecutan unos dibujos amplios,
fluidos y de un lirismo bellísimo, que se entrelazan con maestría con metales
jazzísticos, armónicas dylanianas y guitarras rítmicas sumamente limpias.
Técnicamente,
este prensado original de finales de los sesenta destaca por un relieve sonoro
nítido, equilibrado y provisto de una calidez física reconfortante que nos
permite paladear su particularísima dicción, mientras la riqueza de los
arreglos se expande hacia los flancos estéreo con una separación de canales
modélica.
El arquitecto en
la sombra: De la canción de autor a la alta dirección global
Para
comprender el calado de Manolo Díaz, es necesario descorrer las cortinas del
escenario y mirar hacia los despachos de la alta industria internacional. Tras
irrumpir con una fuerza descomunal en la televisión en blanco y negro y las
listas de éxitos con este LP de 1967, Manolo Díaz tomó una decisión inusitada:
abandonar los focos en pleno apogeo de su éxito popular. Su vocación no estaba
sobre las tablas, sino en la producción, la edición y la estrategia comercial.
Su
carrera posterior es, sencillamente, una de las más deslumbrantes y longevas de
la industria discográfica mundial. Comenzó dirigiendo artísticamente sellos
nacionales como Sonoplay y Acción, impulsando la carrera de grupos como Aguaviva
o Los Pasos. Pero su agudo ojo clínico industrial le llevó rápidamente a ocupar
la Dirección Artística de la multinacional CBS en España. Su pericia al frente
de los despachos le hizo escalar hasta la cima global, convirtiéndose
sucesivamente en Presidente de CBS / Sony para el mercado latino,
Vicepresidente de PolyGram Europa y Presidente de Universal Music Latin
America. Desde esos puestos de máxima responsabilidad internacional, Manolo
Díaz fue el cerebro ejecutivo detrás del lanzamiento, producción y
consolidación planetaria de leyendas de la envergadura de Julio Iglesias,
Santana, Ricky Martin o Alejandro Sanz. Un gigante de la música que prefirió
pilotar la banda sonora de varias generaciones desde la discreción de una mesa
de despacho.
Mi experiencia
de surco
Este
es uno de los vinilos más singulares, queridos y valiosos de mi juventud: el
único e irrepetible LP de Manolo Díaz editado en el año 1967.
Nos
encontramos ante una obra singularísima. Manolo Díaz poseía una forma de cantar
sumamente peculiar, remarcando y exagerando las letras “erres” de una manera
que se te quedaba grabada a fuego; pero es que, además, sus textos estaban
cargados de una agudeza, una ironía y una crítica social que calaban hondo en
la juventud de la época. Todo ello venía arropado por una música contagiosa que
provocaba que nos aprendiésemos sus composiciones al dedillo, devorando
aquellas letras que, con un mimo industrial fantástico, venían completamente
impresas en las dos hojas interiores de su magnífica carpeta.
Tras
su arrollador triunfo en las listas y en aquella añorada televisión en blanco y
negro, nos quedamos con muchísimas ganas de más... pero él decidió de forma
libre y voluntaria que prefería la mesa de despacho al escenario,
convirtiéndose en un titán de la producción y la dirección de grandes compañías
discográficas. Este único vinilo se ha quedado, pues, como una pieza
arqueológica de valor histórico y musical inigualable.
Esa
observación sobre su peculiarísima forma de cantar, pronunciando y remarcando
la "erre" de una manera tan exagerada, es un rasgo de identidad
imborrable que todo el que vivió aquella televisión en blanco y negro recuerda
con una sonrisa. Pero, por encima de esa entrañable excentricidad vocal,
estaban unos textos de una ironía y una crítica social inteligentísimas,
arropados por una música contagiosa de influencia folk-rock americana (muy en
la onda de Bob Dylan o Phil Ochs) que lograba que el público se aprendiera las
letras palabra por palabra, devorándolas en el libreto interior de la carpeta. Nos
dejó a todos con ganas de más.
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