Hoy en "El eco de Fisac" puedes leer...
(El maravilloso
mundo del vinilo)
FICHA TÉCNICA:
Artista:
José Feliciano
Título:
Dos cruces
Sello
y Nº: RCA / Victor - 3-10632
Año
de esta edición: 1971
Detalles:
Single a 45 RPM. 2 canciones. Interpretación acústica de corte íntimo.
El comentario de
la aguja: El riesgo del minimalismo en el microsurco
En
1971, José Feliciano ya era una estrella internacional consagrada gracias a su
asombrosa capacidad para fusionar el pop, el bolero y el soul a través de su
personalísima voz y su maestría con la guitarra acústica. Con el lanzamiento de
la referencia 3-10632 de RCA Victor, el artista portorriqueño decidió
despojarse de los habituales arreglos de la época para ofrecer una lectura de
«Dos cruces» desprovista de artificios, apostando todo el peso de la grabación
a la vibración de sus cuerdas y al desgarro de su garganta.
Desde
el punto de vista estrictamente técnico, este single ofrece una nitidez
analógica pasmosa. Al no haber otros instrumentos compitiendo en el espectro de
frecuencias, la aguja capta con un realismo sobrecogedor cada rascado de la
madera, el brillo metálico de las cuerdas y la respiración cercana del
cantante. Es una producción cruda y directa que busca la máxima cercanía con el
oyente, aunque esa misma falta de elementos pueda dividir las opiniones de
quienes buscan una experiencia musical más rica y envolvente.
Mi experiencia
de surco
Nos
encontramos ante dos canciones verdaderamente preciosas, interpretadas por un
fantástico artista pero donde, inevitablemente, termino echando de menos la
calidez de un fondo orquestal. En este caso concreto, como de hecho me ha
ocurrido en otros muchos a lo largo de mi vida de oyente, nunca he llegado a
entender del todo por qué algunos cantantes —incluso algunos ya plenamente
consagrados en el panorama mundial, como es el caso de Feliciano— se decidían a
grabar discos con el único y exclusivo acompañamiento musical de su guitarra.
Por
muy buen vocalista que se sea y por muy virtuoso de las seis cuerdas que
demuestre ser el intérprete, cuando falta la orquesta siempre queda la
inevitable impresión de estar escuchando una canción “desnuda”. Es una
sobriedad que, a mi juicio, se muestra incapaz de transmitirnos toda la fuerza
y la emoción que unas composiciones tan soberbias como las que este disco nos
hubieran podido legar de haber contado con un buen acompañamiento orquestal
arropándolas de fondo.
Nos
hallamos, pues, ante un debate melómano imperecedero sobre la producción
musical. Un vinilo sumamente interesante que, precisamente por lo que le falta
en su instrumentación, invita a reflexionar sobre el poder de los arreglos a la
hora de vestir una melodía para la eternidad.
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(El maravilloso
mundo del vinilo)
FICHA TÉCNICA:
Artista:
ABBA
Título:
Voulez-vous
Sello
y Nº: Carnaby / Polar Music - MO 1879
Año
de esta edición: 1979
Detalles:
Single a 45 RPM. 2 canciones. El estandarte de la incursión del cuarteto en el
sonido disco internacional.
El comentario de
la aguja: De Estocolmo a Miami a través del microsurco
A
las puertas de los años ochenta, la música disco había mutado de ser un
fenómeno de clubs underground a convertirse en el lenguaje pop predominante en
todo el mundo. ABBA, lejos de quedarse al margen, asimiló esta corriente con su
habitual perfeccionismo melódico. En 1979, bajo el sello Carnaby y la
referencia MO 1879, llegó a las tiendas españolas «Voulez-vous», una
composición cantada con una fuerza arrolladora donde los sintetizadores y una
sección de vientos grabada en los prestigiosos estudios de Miami marcaban el
ritmo de una noche eterna.
Al
pinchar este single, se nota de inmediato la evolución técnica de las prensas
de finales de la década. El sonido analógico de Carnaby despliega unos graves
profundos y una línea de bajo funk increíblemente nítida, pensada expresamente
para hacer vibrar las pistas de las discotecas. La elegancia de las voces de
Agnetha y Frida sobrevuela una base rítmica trepidante, demostrando que ABBA
podía facturar música de baile sin perder un ápice de la complejidad
estructural que los caracterizaba.
Mi experiencia
de surco
Seguimos
adelante con nuestro particular repaso, deteniéndonos en este segundo vinilo que
atesoro del cuarteto sueco. Conviene aclarar a quienes siguen este rincón que,
lógicamente, en mi fonoteca particular tengo mucha más música editada de ABBA y
del resto de mitos que estamos revisando; sin embargo, este sentido homenaje
que estoy construyendo en mi blog se circunscribe única y exclusivamente al
mágico mundo de los discos de vinilo.
Centrándonos
en este plástico de 1979, nos encontramos ante otro single soberbio que resulta
plenamente representativo de la época dorada y de los grandiosos éxitos
encadenados que jalonaron la trayectoria de este conjunto irrepetible.
Hacer
girar este single en el tocadiscos es como encender de golpe los focos de
colores de la discoteca de nuestra juventud. Un vinilo sensacional que mantiene
intacta su pegada rítmica y que confirma que, en el formato de los 45 RPM, ABBA
no tenía rival a la hora de ponernos a bailar.
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(El maravilloso
mundo del vinilo)
FICHA TÉCNICA:
Artista:
ABBA
Título:
Chiquitita
Sello
y Nº: Carnaby / Polar Music - MO 1846
Año
de esta edición: 1978 / 1979
Detalles:
Single a 45 RPM. 2 canciones. Edición original española del mayor fenómeno
global del pop europeo.
El comentario de
la aguja: La obra benéfica que conquistó el mundo hispano
A
finales de 1978, el cuarteto sueco ABBA ya era una fuerza de la naturaleza
imparable en las listas de éxitos de todo el planeta. Sin embargo, el
lanzamiento de la referencia MO 1846 a través del sello Carnaby supuso un punto
de inflexión muy especial. Compuesta por Benny Andersson y Björn Ulvaeus,
«Chiquitita» nació con un propósito noble: ser presentada en la gala
"Music for UNICEF" de las Naciones Unidas. El grupo decidió ceder el
50% de las regalías de la canción a la protección de la infancia, un compromiso
solidario que sigue vigente hoy en día.
A
nivel puramente musical, el single es una obra de artesanía sonora. El tema
arranca con una bellísima y delicada introducción de guitarra acústica y piano
para ir creciendo paulatinamente, sumando las impecables armonías vocales de
Agnetha y Frida hasta estallar en un estribillo desbordante de optimismo,
coronado por un trote rítmico que invita a balancearse. La mezcla analógica de
esta edición de Carnaby posee una brillantez extraordinaria, destacando la
nitidez de las voces por encima del muro de sonido pop marca de la casa,
logrando que el mensaje de aliento de la canción acaricie directamente el oído
del oyente.
Mi experiencia
de surco
Se
suele decir en el argot futbolístico que cuando un jugador es una auténtica
superestrella mundial, tiene la categoría suficiente como para sentarse a comer
en la mismísima mesa de mitos como Messi y Cristiano Ronaldo. Pues bien, si
trasladamos esa metáfora al universo de las canciones, quizás no sería en
absoluto descabellado afirmar que ABBA podría sentarse a comer, con total
derecho, en la mesa reservada para gigantes de la talla de Elvis Presley, The
Beatles o Frank Sinatra. ¿He exagerado un poco al situarlos tan arriba? Tal
vez, pero si es así, desde luego muy poco le faltó a este grupo sueco para ser
invitado de honor a esa mesa de inmortales.
Realmente
hay poco que añadir sobre un conjunto que alcanzó una fama y una trascendencia
planetaria similar a la de los grandes reyes de la música popular. Este
entrañable y coreado single fue, sin duda alguna, uno de sus más grandes e
indiscutibles éxitos, llenando los hogares y las pistas de baile de una
sensibilidad única.
Cuando
el pop, cuando está hecho con genialidad y alma, se convierte en un lenguaje
clásico e inmune al paso del tiempo.
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(El maravilloso
mundo del vinilo)
FICHA TÉCNICA:
Artista: Shocking Blue
Título: Never marry a railroad man
Sello
y Nº: Poplandia / RCA - P - 30512
Año
de esta edición: 1970
Detalles:
Single a 45 RPM. 2 canciones. Edición original española bajo el cotizado sello
Poplandia.
El comentario de
la aguja: El traqueteo sónico que conquistó el éxito
En
1970, el sello RCA lanzó en España la etiqueta Poplandia con el objetivo de
canalizar los sencillos más potentes y vanguardistas del panorama
internacional. No tardaron en apuntarse un tanto histórico al editar la
referencia P - 30512 de los holandeses Shocking Blue. Tras haber tocado el cielo
con «Venus», la banda demostró que no era flor de un solo día lanzando «Never
marry a railroad man», un prodigio de pop-rock rítmico que se convirtió de
inmediato en un ciclón para las pistas de baile.
La
producción de este single es una obra de arte de la época. La canción avanza
impulsada por una línea de bajo y una batería que imitan de forma magistral el
avance implacable de una locomotora, mientras una guitarra acústica marcando el
compás y ráfagas de distorsión eléctrica arropan la portentosa voz de la
vocalista Mariska Veres. Al colocar la aguja en este vinilo de 45 RPM,
sorprende comprobar la enorme pegada analógica que posee: los instrumentos
tienen un relieve fantástico y una nitidez que ya quisieran para sí muchas
producciones actuales.
Mi experiencia
de surco
Nos
encontramos ante un ejemplo perfecto de esa música discotequera de los años 70
que hoy en día, más de cincuenta años después de su lanzamiento, sigue sonando
exactamente igual de bien que el primer día. Es, sin duda alguna, una de mis
canciones preferidas de toda la vida; un tema que tuvo un éxito clamoroso tanto
en las discotecas más modernas de la época como en los entrañables guateques.
Una composición redonda que ha demostrado tener el don de la inmortalidad,
manteniéndose fresca y sin envejecer lo más mínimo a pesar del paso implacable
del tiempo. Es, en definitiva, una de las canciones más enérgicas, contagiosas
y atemporales de toda la historia del pop-rock europeo y nos demuestra que el
verdadero ritmo no tiene fecha de caducidad.
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(El maravilloso
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FICHA TÉCNICA:
Artista:
John Lennon (Cara A) / Yoko Ono (Cara B)
Título: (Just Like) Starting Over
Sello y Nº: Geffen Records / Lenono Music - 45-2032
Año
de esta edición: 1980
Detalles:
Single a 45 RPM. 2 canciones. El histórico y trágico regreso discográfico de
Lennon tras cinco años de silencio.
El comentario de
la aguja: El diálogo roto del sello Geffen
En
octubre de 1980, el sello Geffen Records lograba el contrato más codiciado del
planeta: el regreso a los estudios de John Lennon. El ex-Beatle había estado un
lustro alejado de los focos, ejerciendo de amo de casa, y su regreso generó una
expectación inaudita. Sin embargo, Lennon impuso una condición innegociable: el
proyecto debía compartirse de forma equitativa con Yoko Ono. Así nació la
referencia española 45-2032, un single que presentaba una dicotomía sonora
radical entre sus dos caras.
Al
pinchar la cara A, la aguja extraía oro puro. «(Just Like) Starting Over» era
una lección magistral de pop melódico con ecos de los años 50, donde la voz de
Lennon sonaba más limpia, feliz y cristalina que nunca, arropada por unos coros
perfectos. Era el sonido de un hombre celebrando la vida. La producción
analógica de Geffen daba un relieve asombroso a la instrumentación. Sin
embargo, al dar la vuelta al plástico, el panorama cambiaba de forma abrupta
hacia la experimentación de la vanguardia neoyorquina, obligando al oyente a un
choque estilístico difícil de digerir.
Mi experiencia
de surco
Damos
otro salto hacia adelante en el tiempo y aquí ya estamos hablando de palabras
mayores. Claro que, para poder escuchar y disfrutar de la genialidad de Lennon,
tuvimos que pagar el precio de un single de dos canciones para acabar
escuchando solamente una de ellas. Estoy seguro de que cualquier amante de la
música me entiende perfectamente.
Tras
cinco años de absoluto retiro voluntario para cuidar a su hijo Sean, John
Lennon regresaba por todo lo alto al mundo de la música con el álbum Double
Fantasy. La jugada comercial y artística del disco —y de sus singles de
anticipación— fue plantearlo como un "diálogo musical" al cincuenta
por ciento entre él y su esposa. Esta copia es el primerísimo sencillo de esa
nueva etapa, editado en España por la recién nacida discográfica Geffen
Records.
En
una de las caras del vinilo, Lennon cantaba esta maravillosa composición que
fue un éxito absoluto en todo el mundo. En la otra cara, Yoko Ono cantaba —por
llamarlo de alguna manera— otro tema completamente distinto. Nadie en su sano
juicio se habría comprado jamás este disco por la aportación de Yoko Ono; pero
la inmensa recompensa de volver a escuchar a John Lennon hacía que valiese la
pena, con creces, pagar por un single entero para disfrutar únicamente de su
mitad. Trágicamente,
apenas unas semanas después de que este single llegara a las tiendas en noviembre
de 1980, Lennon fue asesinado en Nueva York, convirtiendo este trozo de
plástico en su último mensaje en vida.
Este
vinilo es un reencuentro con la historia de la música con mayúsculas, pero
también con la nostalgia de lo que pudo haber sido y no fue. Un vinilo
imprescindible que demuestra que, a veces, la cara A de un disco tiene tanta
luz y tanta magia que es capaz de eclipsar cualquier sombra que arrastre en su
reverso.
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FICHA TÉCNICA:
Artista:
Christie Lee
Título:
Entre dos amores
Sello
y Nº: RCA / Victor - PB-7639
Año
de esta edición: 1977
Detalles:
Single a 45 RPM. 2 canciones. Edición especial para el mercado español con
adaptación al castellano.
El comentario de
la aguja: La estrategia de la palabra escrita
En
el ecuador de la década de los setenta, las delegaciones españolas de las
grandes multinacionales discográficas, como RCA, tenían muy estudiado el
mercado transatlántico. Sabían que una buena melodía de herencia
norteamericana, convenientemente suavizada y traducida al castellano, tenía el
éxito casi asegurado en las radiofórmulas y locales de nuestro país. El
lanzamiento en 1977 de «Entre dos amores» por parte de la solista Christie Lee
funcionó como el engranaje perfecto de esta maquinaria de impactos inmediatos.
El
tema, que adaptaba con tremendo gusto el éxito estadounidense «Two Lovers»,
destacaba por una producción limpia, de arreglos melódicos muy cuidados y un
estribillo directo, diseñado para enganchar al oyente desde los primeros
compases. La referencia PB-7639 de RCA Victor posee esa brillantez acústica de
finales de los setenta, donde la instrumentación pop ya coqueteaba con una ecualización
más moderna y pulida, ideal para destacar la voz solista por encima de la
melodía y facilitar que el público conectara con el mensaje de la canción.
Mi experiencia
de surco
Damos
un salto hacia adelante en el tiempo para encontrarnos con otro de esos éxitos
esporádicos que ilustran a la perfección el fenómeno del “One-Hit Wonder” que
comentábamos hace poco.
Este
vinilo en concreto nos ofrecía la versión en español del éxito estadounidense
“Dos amantes” (Two Lovers). Como gran aliciente, la discográfica tuvo el
acierto de incluir la letra de la canción en la edición, un detalle que sin
duda ayudó enormemente a impulsar su efímero pero intenso éxito en las pistas y
hogares de España.
Fue
uno de esos destellos fugaces que, aunque no cimentaron una carrera longeva
para su intérprete, lograron congelar un momento exacto en el tiempo. Una
muestra magnífica de cómo un detalle tan sencillo como regalar la letra al
comprador bastaba para convertir un plástico en un triunfo inmediato.
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FICHA TÉCNICA:
Artista:
R.B. Greaves
Título:
Toma una carta María (Take a Letter Maria)
Sello
y Nº: Atlantic / Hispavox - H 543
Año
de esta edición: 1969
Detalles:
Single a 45 RPM. 2 canciones. Un clásico del soul-pop con el empuje de la
escudería Atlantic.
El comentario de
la aguja: Cuando el surco corona a un tema y olvida al intérprete
El
mercado del Single de finales de los sesenta y principios de los setenta era
feroz y apasionante a partes iguales. A diferencia de los LPs, donde el
comprador buscaba una fidelidad a largo plazo con un artista o grupo, el Single
funcionaba por el impacto inmediato de un cañonazo radiofónico. Un ejemplo
perfecto de este dinamismo fue el lanzamiento en España por parte de Hispavox,
en los últimos meses de 1969, del tema «Toma una carta María» del
norteamericano R.B. Greaves.
Grabado
para el sello de culto Atlantic Records, el tema es un prodigio de producción:
una infecciosa línea de bajo, vientos vibrantes de herencia caribeña y un
fraseo vocal impecable que cabalgaba entre el soul y el pop más comercial. La
canción era tan redonda, bailable y contagiosa que conquistó instantáneamente
las cabinas de las discotecas españolas y las listas de éxitos. Sin embargo,
como tantas veces ocurrió en este formato, la magia se agotó en esa sola pista,
convirtiendo este plástico de referencia H 543 en un testimonio único de un
éxito fulgurante y aislado.
Este
disco es un perfecto ejemplo de uno de los fenómenos más fascinantes y
habituales del formato Single: el fenómeno del "One-Hit Wonder" (o
éxito de un solo tema). Detrás de las siglas de R.B. Greaves se escondía Ronald
Bertram Greaves, un cantante nacido en una base militar de Georgetown que,
curiosamente, era sobrino del gran mito del soul Sam Cooke.
Su
tema «Toma una carta María» (traducción que hizo Hispavox de su título original
«Take a Letter Maria») es una obra de arte del soul-pop con tintes latinos.
Tenía vientos al estilo Tijuana, un ritmo bailable irresistible y una letra muy
original sobre un hombre que le dicta una carta de divorcio a su secretaria
tras descubrir la infidelidad de su esposa. En España, tal y como bien
recuerdas, fue un bombazo absoluto en las pistas de baile de las primeras
discotecas.
Mi experiencia
de surco
Este
vinilo podría ser, sin duda alguna, el ejemplo perfecto de esos casos tan
habituales en la época en los que un disco se compraba exclusivamente por la
fuerza de la canción y no por el renombre del intérprete. Se hacía popular un
tema concreto en la radio, copaba de inmediato los primeros puestos de las
listas de éxitos, y acudías a la tienda a comprar ese single.
Pero
después, ese mismo cantante sacaba al mercado un nuevo trabajo y ya no corría
la misma suerte de cara al público. En otras palabras: te entusiasmaba la
canción, pero el cantante en sí “no te decía nada”. Sin embargo, a este tema le
bastó por sí solo para convertirse en un clásico imprescindible de nuestros
bailes.
Es,
en cierto modo, el poder democrático de la música de los setenta, cuando una
gran melodía no necesitaba el respaldo de un nombre consagrado para reventar
los tocadiscos y hacernos bailar a todos por igual. Una joya indiscutible de la
cultura de discoteca.
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FICHA TÉCNICA:
Artista:
Christie
Título:
Yellow River
Sello
y Nº: CBS - 4911
Año
de esta edición: 1970
Detalles:
Single a 45 RPM. 2 canciones. El formato de dos pistas que revolucionó la
pegada sonora en las pistas de baile.
El comentario de
la aguja: Alta fidelidad y ritmo contagioso a dos canciones
Al
inaugurarse la década de los 70, la industria discográfica dio un vuelco
estratégico. El formato EP de cuatro canciones, que había reinado en las
reuniones de los sesenta, empezó a ceder su trono de forma definitiva ante el
Single de dos canciones. En el caso de estos Singles (conocidos también como
“Sencillos”) se ponía toda la carne en el asador en la cara A con el éxito
radiado, dejando la cara B para un tema secundario de simple acompañamiento. La
razón de pasar de EPs a Singles era puramente técnica y acústica: al grabar una
sola canción por cada cara a 45 RPM, los ingenieros de sonido de CBS podían
ensanchar el microsurco. Esto permitía un mayor recorrido de la aguja y, en
consecuencia, unos graves mucho más potentes, una batería más rotunda y un
volumen general más alto. Era el sonido que exigían los potentes amplificadores
de las nuevas discotecas.
El
trío británico Christie, liderado por Jeff Christie, compuso con «Yellow River»
el prototipo perfecto de éxito “rompe pistas” de la época: un ritmo pop-rock
galopante, guitarras alegres con un toque "country-pop" muy fresco y
un estribillo de esos que se clavan en la mente a la primera escucha. La
referencia CBS 4911 se convirtió en un objeto cotidiano en toda España, sonando
en bucle tanto en los bafles de los locales de moda como en los tocadiscos
domésticos de la juventud más moderna.
Mi experiencia
de surco
Poco
a poco, las discotecas modernas fueron ganando terreno de forma imparable a los
tradicionales guateques. Este Single en concreto era uno de esos temas
indispensables que sonaban a todas horas en aquellos nuevos templos del baile.
Las
discotecas empezaban a sustituir a las reuniones caseras, pero ese tipo de
música vibrante, que pronto empezamos a llamar de forma natural “discotequera”,
también saltaba con una facilidad asombrosa a los hogares. El causante de este
fenómeno doméstico fue la llegada masiva de los Singles de dos canciones, un
formato más directo y con más pegada que había terminado por sustituir por completo
a los antiguos EP de cuatro temas que tanto habíamos usado años atrás.
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mundo del vinilo)
FICHA TÉCNICA:
Artista:
Sandie Shaw
Título:
Canta en español
Sello
y Nº: PYE Records (Inglaterra) / Hispavox - HPY 337-25
Año
de esta edición: 1966
Detalles:
EP a 45 RPM. 4 canciones interpretadas íntegramente en castellano.
El comentario de
la aguja: El fenómeno ye-yé que rompió la barrera del idioma
En
1966, Hispavox y el sello británico PYE Records repitieron la jugada maestra
que tan bien funcionaba con otros solistas de la época: meter a su mayor
estrella en el estudio para grabar sus grandes éxitos adaptados al castellano.
El resultado fue este EP titulado de forma tan directa como irresistible, Canta
en español. Al diluirse la barrera idiomática, la conexión con la juventud
española fue instantánea, transformando la simpatía que ya se le profesaba a la
artista en un fenómeno de ventas absoluto que inundó los tocadiscos de todo el
país.
El
gran mérito de este vinilo es que las adaptaciones no perdían ni un ápice del
dinamismo del Swinging London original. La voz de Sandie Shaw, con ese
ligerísimo y encantador acento extranjero, encajaba a la perfección con unas
pistas rítmicas repletas de frescura pop, palmas y vientos alegres. Escuchar
hoy la limpia mezcla analógica de la referencia HPY 337-25 es rescatar el
sonido más luminoso de 1966; un prensado que mantiene una nitidez impecable en
la voz y una pegada ideal para revivir la energía de las pistas de baile de la
época.
Mi experiencia
de surco
Este
EP supuso el mayor y más incontestable éxito de Sandie Shaw en España. Si con
sus apariciones televisivas ya nos tenía encandilados, al sacar este fantástico
disco cantado íntegramente en español su popularidad en nuestro país se multiplicó
de forma asombrosa.
Fue
un auténtico fenómeno social: sus melodías eran tan contagiosas y accesibles
que, de la noche a la mañana, todos aprendimos a tararear sus canciones en las
reuniones y guateques. Un vinilo que derrocha simpatía y que se convirtió en la
banda sonora obligatoria de toda una generación.
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FICHA TÉCNICA:
Artista:
Sandie Shaw
Título:
Los grandes éxitos de Sandie Shaw
Sello
y Nº: PYE Records (Inglaterra) / Hispavox - HPY 337-13
Año
de esta edición: 1965
Detalles:
EP a 45 RPM. 4 canciones. Edición original española de catálogo.
El comentario de
la aguja: La magia de la melodía
En
1965, la juventud española miraba con fascinación hacia el Reino Unido, el
epicentro mundial de la modernidad. Aunque los conjuntos de guitarras
eléctricas dominaban las listas, las solistas femeninas británicas aportaban
una sofisticación melódica inigualable. Sandie Shaw, de la mano del genial
compositor y productor Chris Andrews, facturó en estos años una serie de
melodías imbatibles. Hispavox reunió en este EP de cuatro temas lo mejor de su
producción inicial para el sello PYE, logrando un éxito arrollador en las
tiendas españolas.
Esta
copia es una auténtica pieza de orfebrería de catálogo. Editado en España por
Hispavox a finales de 1965 bajo el sello británico PYE Records (con la
referencia HPY 337-13) merece destacarse –para los amantes del coleccionismo-
que esta referencia es la hermana pequeña exacta del EP de Donovan que referenciamos
en este blog hace unos días, lo que demuestra cómo Hispavox dominaba con
maestría las licencias de la música británica en nuestro país.
El
gran valor de este vinilo radica en su equilibrio sonoro. Detrás de la aparente
sencillez de los temas pop de la época, las grabaciones de Sandie Shaw contaban
con arreglos muy cuidados de viento y cuerda que daban un colchón perfecto a su
voz, dotada de una sensualidad contenida y una afinación impecable. El sonido
analógico de mediados de los sesenta resuena con una calidez extraordinaria,
transportando al oyente a una atmósfera melódica, calmada y sumamente
evocadora.
Mi experiencia
de surco
Tras
el trasiego rítmico de los discos anteriores, nos ponemos ahora mucho más
melódicos, calmados y románticos para bailar. Recibimos a una cantante que se
hizo mundialmente famosa por salir al escenario con los pies completamente
descalzos, una extravagancia pionera en su día que contrasta con todas las
extravagancias de hoy en día donde lo raro es encontrar a algún cantante
“normal”. Pero lo cierto es que Sandie no hubiera necesitado de esos artificios
para triunfar, porque su talento desbordaba el escenario.
Alcanzó
una enorme fama en España y fueron muy celebradas y comentadas sus apariciones
en las míticas galas de los sábados por la noche en la televisión en blanco y
negro de aquellos años. Tanto caló su estilo que pasó a ser conocida
popularmente como “la cantante de los pies descalzos”. Pero más allá de la
anécdota visual, sus canciones calaron hondo en nuestro país, gustándome tanto
entonces como me sigue gustando ahora. Un repertorio ideal que fue siempre muy
escuchado y bailado de forma muy íntima.
Escuchar
este disco ahora es como encender de nuevo aquella vieja pantalla de televisión
en blanco y negro y recordar los tiempos en que el pop se vestía de gala para
hacernos soñar. Un vinilo indispensable que demuestra que, con zapatos o sin
ellos, la buena música camina con paso firme a través de las décadas.
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FICHA TÉCNICA:
Artista:
The Electric Prunes
Título: Consigue que llegue a tiempo (I Had Too Much
to Dream [Last Night])
Sello
y Nº: Reprise Records / Hispavox - HRE 297-54
Año
de esta edición: 1967
Detalles:
EP a 45 RPM. 4 canciones. Una de las piedras angulares del rock psicodélico
americano editada en España.
El comentario de
la aguja: Distorsión, "fuzz" y el nombre más raro de Los Ángeles
A
mediados de los años sesenta, el panorama musical empezó a teñirse de colores
fluorescentes y sonidos experimentales. Desde Los Ángeles (California), un
grupo de jóvenes sorprendió a la industria no solo por su música, sino por
bautizarse como The Electric Prunes ("Las ciruelas eléctricas"), un
nombre estrafalario que competía en excentricidad con bandas europeas de la
época como los franceses Les Chaussettes Noires (“Los calcetines negros”).
Editado con enorme audacia por Hispavox en 1967, este EP trajo a los tocadiscos
españoles un sonido completamente avanzado a su tiempo.
El
corte principal, rebautizado en España como «Consigue que llegue a tiempo»,
arranca con un famoso efecto de guitarra invertida que emula el zumbido de un
insecto, abriendo paso a un torrente de distorsión y psicodélica oscura. Al
contrario que el pop limpio de la época, las ciruelas eléctricas apostaban por
una producción densa, misteriosa y reverberante. El prensado de Reprise Records
de 1967 logra capturar toda esa reverberación analógica y el latido del bajo,
ofreciendo una experiencia auditiva que en su momento debió de romper los
esquemas de más de un oyente acostumbrado a ritmos más dóciles.
Mi experiencia
de surco
Por
aquellos años comenzaba con fuerza la moda entre los conjuntos musicales de
ponerse nombres verdaderamente raros y absurdos, y este grupo era, desde luego,
un magnífico ejemplo de ello. Detrás de “The Electric Prunes” se esconde un
significado tan peculiar como “Las ciruelas eléctricas”.
Este
plástico es otro testimonio perfecto de cómo, con tanto trasiego de discos de
una fiesta a otra, las colecciones juveniles acababan mezclándose
inevitablemente; siempre terminabas perdiendo algún que otro disco de tus
estanterías y, en contrapartida, aparecían otros ajenos mezclados en tu propia
casa.
Aunque
tanto Les Chaussettes Noires (“Los calcetines negros”) como The Electric Prunes
("Las ciruelas eléctricas") se colaron en mis guateques, este de las
“ciruelas” prefirió quedarse conmigo para siempre, regalándome un recuerdo
musical verdaderamente “atronador” que sigo disfrutando y agradeciendo.
Escuchar
hoy este disco es evocar el espíritu libre y un tanto caótico de las fiestas de
juventud, donde un feliz intercambio involuntario te entregaba las llaves de la
vanguardia psicodélica americana. Un trueno sónico que se resiste a envejecer y
una pieza de culto muy buscada por los coleccionistas internacionales.
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(El maravilloso
mundo del vinilo)
FICHA TÉCNICA:
Artista:
Donovan
Título:
El soldado universal (Universal Soldier)
Sello
y Nº: PYE Records (Inglaterra) / Hispavox - HPY 337-12
Año
de esta edición: 1965
Detalles:
EP a 45 RPM. 4 canciones. Edición original española en formato acústico de
protesta.
El comentario de
la aguja: El bardo escocés que desafió a la censura en los sesenta
A
mediados de los años sesenta, la canción de autor de corte político y pacifista
lo tenía muy difícil para circular por los canales oficiales en España. Sin
embargo, el empuje de la juventud y el olfato de sellos como Hispavox —que
licenciaba el catálogo británico de PYE Records— permitieron que viera la luz
este EP fundamental de Donovan, editado en las postrimerías de 1965. El músico
escocés, armado únicamente con su guitarra acústica y una armónica, insuflaba
al panorama pop una madurez lírica desgarradora.
El
corte que abandera el vinilo, «El soldado universal», es una de las canciones
pacifistas más perfectas y punzantes jamás escritas. Al contrario que otros
himnos que culpaban a los gobiernos, la letra de Donovan ponía el foco en la
responsabilidad individual del soldado que obedece órdenes sin pensar. Con el
sonido limpio y crudo característico de las producciones analógicas de PYE,
este EP de cuatro temas demostraba que para agitar conciencias y abrir nuevas
perspectivas conceptuales en el oyente no hacían falta grandes amplificadores,
sino verdades cantadas con el corazón.
Mi experiencia
de surco
Hasta
que este disco llegó a mis manos, yo solo conocía a Donovan de oídas, por meras
referencias y por haber escuchado alguna que otra canción suelta en las ondas
de la radio. Sin embargo, mi participación en un sorteo del desaparecido e
histórico “Diario SP” —que ostenta el honor de haber sido el primer diario
nacional que introdujo el color en sus páginas— se convirtió en el inesperado
regalo que la suerte trajo hacia mí. Un premio fortuito que terminó abriéndome
los ojos hacia nuevas e insospechadas perspectivas musicales.
Al
volver a pincharlo hoy, uno se da cuenta de que este vinilo es el testigo
absoluto de una época irrepetible y de una generación inconformista que pedía a
gritos un cambio en el mundo.
Un
auténtico viaje en el tiempo a través de la memoria musical y periodística de
nuestro país. Una pieza de coleccionista soberbia que demuestra que, a veces,
la suerte se alía con los mejores surcos para cambiar nuestra forma de entender
la música.
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