Jacques Loussier – Play Bach Nº 3: Cuando Johann Sebastian Bach se vistió de Swing

(El maravilloso mundo del vinilo)

FICHA TÉCNICA:
 
Artista: Jacques Loussier (Al piano, acompañado por Pierre Michelot al contrabajo y Christian Garros a la batería)
 
Título: Play Bach Nº 3
 
Sello y Nº: Decca / Columbia - SKL 40507
 
Año de esta edición: 1964 (Lanzamiento original: 1961)
 
Detalles: LP. 3 extensas suites instrumentales donde las partituras barrocas cobran una nueva vida.
 
El comentario de la aguja: El puente perfecto entre dos mundos
 
A principios de los años 60, un joven pianista francés llamado Jacques Loussier revolucionó los cimientos de la música con una audaz e insólita propuesta: ¿Y si el mayor compositor del Barroco, Johann Sebastian Bach, hubiera sido en realidad el primer músico de jazz de la historia? Lejos de ser una provocación, Loussier demostró con su trío que la música de Bach, con sus estructuras matemáticas perfectas y sus líneas de bajo caminantes (walking bass), compartía de manera natural el mismo ADN que el jazz moderno.
 
Así nació la mítica serie de álbumes Play Bach, editada en España por sellos de la talla de Decca y Columbia. En este Play Bach Nº 3, grabado originalmente a principios de la década, la fórmula alcanza una madurez interpretativa sublime.
 
El disco consta de tres extensas composiciones donde Loussier toma los temas originales de Bach y, sin perder un ápice de su solemnidad y belleza original, los hace estallar en un delicioso torbellino de síncopas. El gran protagonista aquí es el piano de Loussier, que despliega un fraseo límpido, ágil y luminoso, perfectamente escoltado por el contrabajo de Pierre Michelot y las sutiles escobillas en la batería de Christian Garros. Es un disco que funciona como un bálsamo de elegancia absoluta: música culta despojada de rigidez, hecha para paladear con una copa en la mano a la caída de la tarde.
 
Mi experiencia de surco
 
Para cerrar por todo lo alto este primer bloque de discos instrumentales de mi colección, os traigo una de mis mayores debilidades. La música eterna de Bach es transformada aquí de forma magistral en puro jazz.
 
En este volumen número 3, el piano es el protagonista absoluto de la velada, guiándonos a través de unas variaciones asombrosas que demuestran que la buena música no entiende de etiquetas ni de siglos de distancia. Una auténtica maravilla para los oídos que nunca me canso de escuchar.
 
Poseer este vinilo de 1964 es tener la prueba física de un milagro acústico: el momento en que el siglo XVIII alemán y el siglo XX parisino se dieron la mano sobre el teclado de un piano de cola. Una obra maestra atemporal que os preparará para el siguiente paso de este viaje... donde el órgano entrará en juego.
 

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Herbie Mann – Memphis Underground: El día que la flauta conquistó el Jazz

(El maravilloso mundo del vinilo)

FICHA TÉCNICA:
 
Artista: Herbie Mann
 
Título: Memphis Underground
 
Sello y Nº: Atlantic / Hispavox - HATS 421-36
 
Año de esta edición: 1969
 
Detalles: LP. 5 extensas composiciones. Edición de lujo con carpeta abierta conteniendo un amplio comentario crítico y biográfico sobre el intérprete.
 
El comentario de la aguja: Cuando el jazz se tiñó de Soul y Rock
 
A finales de la década de los 60, el jazz se encontraba en una encrucijada. Muchos músicos buscaban nuevas fórmulas para conectar con la juventud y romper las barreras de los géneros tradicionales. En 1969, el flautista neoyorquino Herbie Mann viajó a los míticos estudios American Sound de Memphis con una idea revolucionaria: fusionar el lenguaje del jazz con el pulso caliente del soul, el rhythm & blues y el rock. El resultado fue Memphis Underground, un éxito masivo que dinamitó las listas de ventas.
 
Aunque hoy nos parezca de lo más natural, en aquella época la propuesta de Herbie Mann rompía moldes. Parecía mentira que un instrumento de viento tan sutil y tradicionalmente clásico como la flauta travesera pudiera integrarse con semejante naturalidad en la síncopa del jazz, disputándole el protagonismo a los saxofones o las trompetas.
 
Mann lo consiguió dotando a su flauta de un sonido percusivo, salvaje y profundamente rítmico. Para redondear la jugada, se rodeó de una banda descomunal que incluía nada menos que a tres guitarristas (entre ellos el virtuoso Sonny Sharrock) y a la legendaria sección rítmica de Memphis. La soberbia edición que lanzó Hispavox en España bajo el prestigioso sello Atlantic hacía justicia a este hito, ofreciendo un generoso texto explicativo en su carpeta que servía de guía para entender la magnitud de lo que se estaba escuchando.
 
Mi experiencia de surco
 
Nos encontramos ante un magnífico ejemplo de jazz donde la flauta y la batería asumen un protagonismo absoluto, dialogando de tú a tú en un derroche de talento.
 
Para mí, el momento cumbre del álbum se encuentra en la interpretación de «Battle Hymn of the Republic» (El himno de batalla de la República). Es sencillamente magistral cómo se desenvuelve la pieza: tras un hipnótico y prolongado solo de flauta que te mantiene en vilo, la entrada de la batería al comienzo del tema es un golpe de efecto genial, electrizante y lleno de fuerza, de esos que te hacen vibrar en el asiento y justifican por sí solos toda una colección de vinilos.
 
Memphis Underground sigue sonando hoy tan fresco, sudoroso y vanguardista como el día en que se grabó en 1969. Es la demostración empírica de que en el jazz no hay límites instrumentales cuando hay un genio soplando a través de los surcos.
 

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Reunion Jazz Band – Reunion Jazz Band: La puerta de entrada al Dixieland europeo

(El maravilloso mundo del vinilo)

FICHA TÉCNICA:
 
Artista: Varios artistas (Componentes de la Dutch Swing College Band)
 
Título: Reunion Jazz Band
 
Sello y Nº: Orlador / Círculo de Lectores - 30.152 (Bajo licencia de Philips)
 
Año de esta edición: 1967
 
Detalles: LP. 8 piezas maestras del jazz tradicional. Edición especial en exclusiva para los socios del Círculo de Lectores.
 
El comentario de la aguja: Cuando el Círculo de Lectores trajo Nueva Orleans al salón de casa
 
Para muchos hogares españoles de los años 60, el jazz era un género lejano, casi mitológico, que se asociaba a oscuros clubes americanos o a composiciones abstractas difíciles de digerir a la primera. Por eso, cuando en 1967 el Círculo de Lectores incluyó en su catálogo mensual este vinilo del sello Orlador, hizo un regalo cultural incalculable: democratizó el jazz haciéndolo accesible, radiante y sumamente divertido.
 
Bajo el nombre de Reunion Jazz Band, el disco encierra un auténtico secreto a voces de la música europea. Los intérpretes que se citan en los créditos (Joop Schrier al piano, Wybe Buma a la trompeta, Jan Morks al clarinete, entre otros virtuosos) eran la plana mayor y los miembros fundadores de la Dutch Swing College Band, la formación de jazz tradicional más laureada de los Países Bajos. Se trataba de una reunión cumbre para revivir el viejo espíritu del Dixieland y del sonido fundacional de Nueva Orleans.
 
El álbum es un derroche de vitalidad instrumentista. Frente al jazz moderno y complejo, aquí nos encontramos con la pureza del ritmo sincopado: diálogos vibrantes entre el trombón y la trompeta, solos de clarinete que parecen flotar y una sección rítmica impecable apuntalada por la tuba y el contrabajo. No es música académica para escuchar con gesto serio; es el jazz de las raíces, el que nació para celebrar la vida, desborda optimismo y se mete en el cuerpo desde el primer compás.
 
Mi experiencia de surco
 
Este vinilo, otra de las recordadas ediciones especiales del Círculo de Lectores, ocupa un lugar sentimental muy destacado en mi estantería. Fue el disco que ayudó a muchos —como es mi propio caso— a introducir por primera vez en casa la magia de la música de jazz.
 
Supone una maravillosa y certera mirada al mundo del jazz, una invitación a descubrir sus matices a través de una interpretación tan limpia y contagiosa que era imposible no quedar prendado de su ritmo.
 
Colocar la aguja sobre este vinilo de 1967 es revivir el instante preciso en que el salón de casa se transformó, por obra y gracia del tocadiscos, en un club de jazz clásico de los años veinte. Una pieza didáctica y emocionante que sigue conservando intacto su poder de fascinación.
 

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Los Indios Tabajaras – The very thought of you: Guitarras de seda para el hogar

(El maravilloso mundo del vinilo)

FICHA TÉCNICA:
 
Artista: Los Indios Tabajaras (Antenor y Natalicio Lima)
 
Título: The very thought of you (La sola idea de ti)
 
Sello y Nº: Círculo de Lectores - 54.031 (Bajo licencia de RCA)
 
Año de esta edición: 1974
 
Detalles: LP. 11 composiciones instrumentales de grandes clásicos universales interpretados a dos guitarras españolas.
 
El comentario de la aguja: Del Amazonas a las estanterías de Círculo de Lectores
 
La historia de Los Indios Tabajaras parece sacada de una novela de aventuras. Dos hermanos de la tribu indígena de los Tabajaras, en el norte de Brasil, encuentran por azar una guitarra española abandonada en la selva. Aprenden a tocarla de forma totalmente autodidacta y, años más tarde, terminan convertidos en un fenómeno internacional, vistiendo sus trajes tradicionales sobre los escenarios de Nueva York, Londres o Madrid y tocando piezas clásicas de Chopin o Bach con una limpieza de ejecución que ya hubiera querido más de un concertista de conservatorio.
 
Aunque en la España de 1974 se les pudiera considerar un grupo más "de catálogo" o de acompañamiento que una banda de primera línea juvenil, su popularidad en nuestro país fue gigantesca gracias a una vía de distribución entrañable: el Círculo de Lectores. Esta edición especial, pensada en exclusiva para los socios del club, permitía a las familias hacerse con una obra de alta fidelidad que garantizaba calidad musical y elegancia sin tener que pisar una tienda de discos.
 
El álbum toma su nombre del bellísimo estándar de jazz de Ray Noble, The very thought of you, y es una exhibición de delicadeza. El secreto de los hermanos Lima radicaba en su compenetración absoluta: mientras una guitarra tejía un colchón de acordes suaves, la otra desgranaba la melodía con un punteo cristalino, tierno y aterciopelado. No había estridencias, no había prisa; solo el sonido puro de la madera y las cuerdas de nailon acariciando el aire.
 
Mi experiencia de surco
 
Aunque pueda verse como un disco de fondo o de "relleno" frente a los grandes éxitos rompedores de las listas, este vinilo alcanzó una enorme y merecida popularidad en España. Es el ejemplo perfecto y supremo de lo que debe ser la gran música de acompañamiento.
 
Sus surcos guardan una música ideal para disfrutar en veladas tranquilas, dejando que las magistrales guitarras de Los Indios Tabajaras interpreten grandes éxitos de siempre mientras el salón se inunda de una calma reconfortante.
 
Poner este LP del Círculo de Lectores de 1974 en el plato es invocar al instante la paz del hogar de los años setenta. Un vinilo sin pretensiones revolucionarias, pero con una factura técnica e interpretativa tan perfecta que sigue siendo un bálsamo infalible para desconectar del ruido del mundo moderno.
 

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Il guardiano del Faro – Amore grande, amore libero: El Moog que enamoró a los guateques

(El maravilloso mundo del vinilo)

FICHA TÉCNICA:  

Artista: Il guardiano del Faro (Federico Monti Arduini) 

Título: Amore grande, amore libero (Amor grande, amor libre)

Sello y Nº: RCA Victor - SPBO 9282

Año de esta edición: 1975

Detalles: Single (7 pulgadas / 45 RPM). 2 composiciones instrumentales. 
 
El comentario de la aguja: El farero de la melancolía italiana
 
Si en 1976 Carlos Santana hacía gritar a su guitarra, un año antes, en el verano de 1975, las listas de éxitos europeas se derretían ante una propuesta instrumental radicalmente opuesta. Desde Italia, un enigmático proyecto musical firmado bajo el pseudónimo de Il guardiano del Faro asaltaba las emisoras de radio y las pistas de baile con una composición que era pura poesía flotante: Amore grande, amore libero. 
 
Detrás del proyecto no había ningún ermitaño marino, sino Federico Monti Arduini, un talentoso teclista y productor milanés que tuvo una visión brillante: utilizar los entonces novedosos y fríos sintetizadores Moog para insuflarles el alma, la calidez y el lirismo de la gran balada romántica italiana. El experimento no pudo salir mejor. El tema era tan sumamente pegadizo, sugerente y evocador que se alzó con el primer premio del célebre festival televisivo «Un disco per l'estate» (rotulado en España con un poético «Una canzone per l'estate» directamente en la portada) y escaló de inmediato hasta el número uno de las listas italianas. 
 
La canción arranca con unos acordes suspendidos que recrean una atmósfera de ensueño, un amanecer frente al mar, para luego dar paso a la melodía principal del sintetizador, arropada por una sección de cuerda suntuosa que estalla en un estribillo irresistible. RCA Victor lanzó el single en España con gran éxito, sabiendo que el público de nuestro país compartía esa misma sensibilidad mediterránea y apasionada. 
 
Mi experiencia de surco
 
Tras la descarga de energía de Santana, este single nos sumerge de lleno en una deliciosa melancolía romántica. Este disco tuvo un éxito tremendo en la España de mediados de los setenta y, desde luego, estoy seguro de que lo agradecieron infinitamente muchas parejas de enamorados de aquella época.
 
Es el ejemplo perfecto de lo que debe ser la música romántica bailable: una pieza elegante, envolvente, con un tempo pausado que invitaba a bailar agarrados en la penumbra del guateque, dejándose llevar por la cadencia de las notas y la magia del momento.
 
Poseer este single original de 1975, con su mítica portada y las letras impresas recordando sus galardones en Italia, es atesorar un pedazo de la banda sonora sentimental de una generación. Un vinilo imprescindible que demuestra que la electrónica, cuando se pone en manos de un romántico, también puede acariciar el corazón. 
 

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