Varios – La misa campesina: El día que la fe y el pop compartieron altar

(El maravilloso mundo del vinilo)

FICHA TÉCNICA:
 
Artista: Miguel Bosé, Ana Belén, Sergio y Estíbaliz, Laredo, Elsa Baeza y El Guadalupano
 
Título: La misa campesina
 
Sello y Nº: CBS - S 86.085
 
Año de esta edición: 1979
 
Detalles: LP. Estuche desplegable (gatefold) lujosamente ilustrado y con las letras de las 13 canciones impresas en su interior.
 
El comentario de la aguja: Cuando las guitarras eléctricas entraron en el templo
 
A finales de los años 70, España experimentaba una apertura en todos los sentidos, y las iglesias no fueron una excepción. Corrientes como la Teología de la Liberación buscaban acercar la fe al pueblo llano, despojándola de la rigidez del latín y de los órganos solemnes. En este contexto de cambio, la multinacional CBS firmó en 1979 una de las producciones más ambiciosas, corales y singulares de la época: la adaptación española de la Misa Campesina Nicaragüense, una obra original del maestro Carlos Mejía Godoy.
 
El disco es un prodigio de producción folk-pop. CBS no escatimó en recursos y sentó a grabar juntos a artistas que estaban en la cumbre de sus carreras pero que pertenecían a mundos musicales muy distintos. Escuchar este LP es dejarse sorprender por un jovencísimo Miguel Bosé cantando el «Kyrie», la elegancia innata de Ana Belén en el «Credo», las inconfundibles armonías vocales de Sergio y Estíbaliz, el toque pop de Laredo, la dulzura de Elsa Baeza y el contrapunto folclórico y desgarrado de El Guadalupano.
 
Las 13 canciones del álbum adaptan las partes de la misa cristiana a ritmos tradicionales (como el son nica, el vals o la mazurca) pasados por el tamiz de la música ligera del momento. La edición original de 1979 reflejó la importancia del lanzamiento con un precioso estuche desplegable que invitaba a seguir las letras, convirtiendo la escucha en un acto comunitario.
 
Mi experiencia de surco
 
Fuimos testigos de cómo, poco a poco, la música ligera se fue adentrando de manera imparable en las iglesias; en unos casos cambiando las letras a melodías que ya eran famosas y en otros, como este, creando composiciones propias que este increíble grupo de artistas recopiló con maestría.
 
Podríamos decir, sin temor a equivocarnos, que este no es un disco pensado para bailar, sino para rezar a ritmos modernos. Es una obra que demuestra que la espiritualidad y la música popular de calidad podían caminar de la mano en una época de constante renovación.
 
Tener este ejemplar de CBS en las manos es conservar la fotografía sonora de un año irrepetible, el 1979, donde incluso la liturgia se atrevió a sonar moderna, coral y vibrante. Un vinilo imprescindible para entender los contrastes y las bandas sonoras de nuestra Transición.
 

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Varios – Joyas musicales para recordar: Un tesoro de tres LPs en el salón

(El maravilloso mundo del vinilo)

FICHA TÉCNICA:

 
Artista: Varios artistas (Recopilatorio internacional)
 
Título: Joyas musicales para recordar. 20 años de superhits
 
Sello y Nº: PDI / Iberofón - 52.639
 
Año de esta edición: 1984
 
Detalles: Caja especial de lujo con 3 LPs. Contiene 29 canciones en sus versiones originales con licencias internacionales.
 
El comentario de la aguja: La era dorada de las antologías en vinilo
 
A mediados de los años 80, la industria del vinilo en España vivía un momento dulce de madurez. Con la perspectiva que da el tiempo, las discográficas miraron hacia atrás y se dieron cuenta de que las décadas de los 60 y 70 habían dejado una cantidad ingente de clásicos inmortales que las nuevas generaciones devoraban y los nostálgicos añoraban. En ese contexto, el sello independiente PDI lanzó en 1984 esta imponente caja de tres discos, fabricada con la habitual solvencia de la factoría Iberofón.
 
Lo que hace verdaderamente valioso a este recopilatorio frente a otros de la época es el respeto absoluto por el oyente. En los 70 y 80 era muy común encontrar discos baratos de "éxitos" grabados a toda prisa por músicos de sesión anónimos que imitaban a los artistas reales. Joyas musicales para recordar rompió ese molde de forma radical: PDI se embarcó en una compleja red de licencias para conseguir las cintas máster originales.
 
Gracias a ese esfuerzo, la aguja no solo recorre el plástico, sino la geografía emocional de toda una época, entrelazando el pop español con las baladas francesas, el torbellino del rock británico, la sofisticación estadounidense y el lirismo de San Remo en Italia. Una obra monumental de preservación sonora.
 
Mi experiencia de surco
 
Hay muchos recopilatorios en el mercado, pero os aseguro que pocos como este. En sus surcos se han logrado reunir 29 canciones que en su día fueron auténticos números uno en España, interpretadas minuciosamente por aquellos cantantes y grupos originales que las hicieron famosas.
 
La grandeza del álbum es que no se limita solo a nuestros artistas nacionales, sino que abre una ventana al mundo con intérpretes franceses, americanos, ingleses o italianos. Nos encontramos ante una excelente antología de la música ligera de las décadas de los 60 y 70; un álbum absolutamente ideal para sentarse a recordar y dejarse llevar por la banda sonora de aquellas décadas doradas de la música popular.
 
Tener esta caja de 1984 en las manos, con el crujido limpio que Iberofón le otorgaba a sus prensajes, es como poseer una máquina del tiempo musical en tres actos. El arranque perfecto para esta nueva sección de grandes antologías.
 

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Jacques Loussier – Play Bach Nº 4: La consagración de un milagro musical

(El maravilloso mundo del vinilo)

FICHA TÉCNICA:
 
Artista: Jacques Loussier (Al piano y órgano, acompañado por Pierre Michelot al contrabajo y Christian Garros a la batería)
 
Título: Play Bach Nº 4
 
Sello y Nº: Decca / Columbia - CCL 38023
 
Año de esta edición: 1964 (Lanzamiento original: 1963)
 
Detalles: LP. 4 composiciones instrumentales. Álbum galardonado con el prestigioso Grand Prix du Disque francés.
 
El comentario de la aguja: Cuando el swing subió al altar mayor
 
Si a principios de los años 60 el Trío de Jacques Loussier había sorprendido al mundo adaptando las partituras barrocas de Johann Sebastian Bach al piano de jazz, en 1963 la propuesta alcanzó su madurez definitiva con este cuarto volumen. Lo que empezó como un atrevido experimento se había convertido ya en un fenómeno de prestigio internacional. La prueba irrefutable de ello fue la concesión del Grand Prix du Disque en Francia, un premio que ponía de acuerdo a los exigentes críticos de la música clásica y a los devotos del jazz: lo de Loussier era alta costura musical.
 
En este Play Bach Nº 4, editado en España por Decca/Columbia en 1964, el trío introduce un cambio de timón estilístico fascinante. Aunque el piano sigue llevando las riendas del fraseo jazzístico, en estas cuatro canciones Loussier decide sentarse también ante el órgano.
 
Este matiz instrumental no es casual: el órgano era el instrumento fetiche de Bach, el gigante de tubos con el que llenaba las iglesias alemanas del siglo XVIII. Al combinar la solemnidad sagrada del órgano con la síncopa juguetona del jazz, el contrabajo y la batería, Loussier logra una atmósfera única, densa y majestuosa. El disco transita por pasajes que son a la vez un oficio religioso y una sesión de club nocturno a media luz. Es la elegancia llevada a su máxima expresión.
 
Mi experiencia de surco
 
Llegamos al cuarto volumen de esta maravillosa serie en la que la música imperecedera de Bach se transforma magistralmente en jazz. Si en el disco anterior el piano reclamaba todo el protagonismo, en este número 4 asistimos a una evolución soberbia en la que se suma el sonido del órgano, dotando a los temas de una profundidad y un misticismo sobrecogedores.
 
No es de extrañar que este vinilo se alzase con el Grand Prix du Disque francés en 1963; escuchar hoy cómo gira en el plato es entender el porqué de tanto reconocimiento.
 
Con este soberbio LP cerramos la primera gran etapa de este blog, que ha estado centrada en la música instrumental. Poseer este ejemplar de 1964 es tener la llave de un viaje en el tiempo donde el rigor barroco y la libertad del jazz se funden en cuatro pistas inolvidables.
 
Pero el maravilloso mundo de los vinilos y las décadas prodigiosas de los 60 y 70 nos deparan nuevos recuerdos y nuevas sorpresas. Pasaremos a partir de mañana a presentar algunas recopilaciones de canciones de éxito con aquellos intérpretes que las hicieron famosas. La magia del vinilo perdura a lo largo de los años.
 

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Jacques Loussier – Play Bach Nº 3: Cuando Johann Sebastian Bach se vistió de Swing

(El maravilloso mundo del vinilo)

FICHA TÉCNICA:
 
Artista: Jacques Loussier (Al piano, acompañado por Pierre Michelot al contrabajo y Christian Garros a la batería)
 
Título: Play Bach Nº 3
 
Sello y Nº: Decca / Columbia - SKL 40507
 
Año de esta edición: 1964 (Lanzamiento original: 1961)
 
Detalles: LP. 3 extensas suites instrumentales donde las partituras barrocas cobran una nueva vida.
 
El comentario de la aguja: El puente perfecto entre dos mundos
 
A principios de los años 60, un joven pianista francés llamado Jacques Loussier revolucionó los cimientos de la música con una audaz e insólita propuesta: ¿Y si el mayor compositor del Barroco, Johann Sebastian Bach, hubiera sido en realidad el primer músico de jazz de la historia? Lejos de ser una provocación, Loussier demostró con su trío que la música de Bach, con sus estructuras matemáticas perfectas y sus líneas de bajo caminantes (walking bass), compartía de manera natural el mismo ADN que el jazz moderno.
 
Así nació la mítica serie de álbumes Play Bach, editada en España por sellos de la talla de Decca y Columbia. En este Play Bach Nº 3, grabado originalmente a principios de la década, la fórmula alcanza una madurez interpretativa sublime.
 
El disco consta de tres extensas composiciones donde Loussier toma los temas originales de Bach y, sin perder un ápice de su solemnidad y belleza original, los hace estallar en un delicioso torbellino de síncopas. El gran protagonista aquí es el piano de Loussier, que despliega un fraseo límpido, ágil y luminoso, perfectamente escoltado por el contrabajo de Pierre Michelot y las sutiles escobillas en la batería de Christian Garros. Es un disco que funciona como un bálsamo de elegancia absoluta: música culta despojada de rigidez, hecha para paladear con una copa en la mano a la caída de la tarde.
 
Mi experiencia de surco
 
Para cerrar por todo lo alto este primer bloque de discos instrumentales de mi colección, os traigo una de mis mayores debilidades. La música eterna de Bach es transformada aquí de forma magistral en puro jazz.
 
En este volumen número 3, el piano es el protagonista absoluto de la velada, guiándonos a través de unas variaciones asombrosas que demuestran que la buena música no entiende de etiquetas ni de siglos de distancia. Una auténtica maravilla para los oídos que nunca me canso de escuchar.
 
Poseer este vinilo de 1964 es tener la prueba física de un milagro acústico: el momento en que el siglo XVIII alemán y el siglo XX parisino se dieron la mano sobre el teclado de un piano de cola. Una obra maestra atemporal que os preparará para el siguiente paso de este viaje... donde el órgano entrará en juego.
 

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Herbie Mann – Memphis Underground: El día que la flauta conquistó el Jazz

(El maravilloso mundo del vinilo)

FICHA TÉCNICA:
 
Artista: Herbie Mann
 
Título: Memphis Underground
 
Sello y Nº: Atlantic / Hispavox - HATS 421-36
 
Año de esta edición: 1969
 
Detalles: LP. 5 extensas composiciones. Edición de lujo con carpeta abierta conteniendo un amplio comentario crítico y biográfico sobre el intérprete.
 
El comentario de la aguja: Cuando el jazz se tiñó de Soul y Rock
 
A finales de la década de los 60, el jazz se encontraba en una encrucijada. Muchos músicos buscaban nuevas fórmulas para conectar con la juventud y romper las barreras de los géneros tradicionales. En 1969, el flautista neoyorquino Herbie Mann viajó a los míticos estudios American Sound de Memphis con una idea revolucionaria: fusionar el lenguaje del jazz con el pulso caliente del soul, el rhythm & blues y el rock. El resultado fue Memphis Underground, un éxito masivo que dinamitó las listas de ventas.
 
Aunque hoy nos parezca de lo más natural, en aquella época la propuesta de Herbie Mann rompía moldes. Parecía mentira que un instrumento de viento tan sutil y tradicionalmente clásico como la flauta travesera pudiera integrarse con semejante naturalidad en la síncopa del jazz, disputándole el protagonismo a los saxofones o las trompetas.
 
Mann lo consiguió dotando a su flauta de un sonido percusivo, salvaje y profundamente rítmico. Para redondear la jugada, se rodeó de una banda descomunal que incluía nada menos que a tres guitarristas (entre ellos el virtuoso Sonny Sharrock) y a la legendaria sección rítmica de Memphis. La soberbia edición que lanzó Hispavox en España bajo el prestigioso sello Atlantic hacía justicia a este hito, ofreciendo un generoso texto explicativo en su carpeta que servía de guía para entender la magnitud de lo que se estaba escuchando.
 
Mi experiencia de surco
 
Nos encontramos ante un magnífico ejemplo de jazz donde la flauta y la batería asumen un protagonismo absoluto, dialogando de tú a tú en un derroche de talento.
 
Para mí, el momento cumbre del álbum se encuentra en la interpretación de «Battle Hymn of the Republic» (El himno de batalla de la República). Es sencillamente magistral cómo se desenvuelve la pieza: tras un hipnótico y prolongado solo de flauta que te mantiene en vilo, la entrada de la batería al comienzo del tema es un golpe de efecto genial, electrizante y lleno de fuerza, de esos que te hacen vibrar en el asiento y justifican por sí solos toda una colección de vinilos.
 
Memphis Underground sigue sonando hoy tan fresco, sudoroso y vanguardista como el día en que se grabó en 1969. Es la demostración empírica de que en el jazz no hay límites instrumentales cuando hay un genio soplando a través de los surcos.
 

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